L'actualité image et son, échantillonnée à la volée

Kronos Quartet à la Biennale de quatuors à cordes

2012-01-19T08:01:00.000-08:00

K comme Kronos

K comme kaleidoscope

Mercredi 18 janvier, 20 h 30. Arrivé à peu de choses près à la moitié de la 5e Biennale de quatuors à cordes de la Cité de la Musique, le Kronos quartet, baigné dans une sobre ambiance lumineuse colorée, a tenu le public en haleine pendant près de 2 h 30 dans un programme où il y en avait pour tous les goûts.

La formation démarrait de façon très motorique avec «Aheym», de l’américain Bryce Dessner, une pièce qui s’inscrit ostensiblement dans le sillage de Philip Glass et Steve Reich. On percevait immédiatement le côté bien huilé de la célèbre mécanique américaine à quatre cylindres, tout en espérant secrètement que l'ensemble du concert ne soit pas propulsé exactement de la même manière.

Suivait un étrange ovni sonore au goût prononcé de bubble-gum, venu sans escale du Canada, intitulé «Death to Kosmische», fruit de la compositrice Nicole Lizée. La lecture des notes de programme de la compositrice nous amènent à croire qu'il s'agit d’une oeuvre à écouter au second degré… et dont les climats sonores portaient en tout cas à sourire !

Pour terminer la première partie du concert‚ création de «Tak-Sim» de l’iranien Alireza Farhang, œuvre élaborée à l’Ircam et cette fois très statique, mais toute tissée de déploiements harmoniques subtils et de délicats effets de moiré.

Retour sur scène avec le très sérieux 7e quatuor «Veränderungen» du compositeur allemand Wolfgang Rihm - figure de proue de cette Biennale - que le Kronos exécutait de manière très éloquente mais aussi avec la préciosité qui convenait lorsqu'il le fallait.

Court intermède sur un arrangement du très joli «Flow» de Laurie Anderson, extrait de son dernier album Homeland, qui avait été présenté au public dans cette même salle en mars 2010.
Dernière pièce du programme : l'éprouvant «WTC 9/11» de Steve Reich. Éprouvant à défaut d’être réellement émouvant, car usant jusqu'à la corde du procédé largement développé dans son opéra The Cave, où un ou plusieurs instrumentistes imitent la prosodie mélodique de voix parlées. Ici, l’insistance malheureuse de Reich à superposer systématiquement les échantillons de voix et leur «recopie» instrumentale alourdit considérablement le propos musical.

Comme à l’habitude, le quatuor de San Francisco nous gâtait de plusieurs bis : un savoureux «Egyptian Tango», une reprise de «La Foule» de Piaf avec ami américain chanteur et accordéoniste invité et enfin une reprise de «Don't think twice, it’s alright» de Bob Dylan, réorchestrée pour le Kronos par Philip Glass, et contenant de nombreux effets de slide guitar terriblement kitsch.

Un programme kaleidoscopique et iconoclaste, déconcertant pour certains auditeurs pour qui le quatuor à cordes est un genre sacré très codifié. Mais très réjouissant pour la grande majorité du public, qui remplissait la grande salle de la Cité de musique - qui pour ces concerts redistribue sa géométrie.

La Biennale continue et s’achèvera ce dimanche 22 janvier 2012, avec les formations les plus réputées (quatuors Arditti, Hagen, Diotima, Prazak…) parcourant un répertoire varié (Beethoven, Schumann, Haydn, Brahms, Shostakovitch, Rihm…).

5e Biennale de quatuors à cordes

Cité de la Musique,

221 avenue Jean Jaurès

75019 PARIS

Forum Ircam

2012-01-04T04:56:00.000-08:00

Dans l’antre

des sorciers du son

L’Ircam n’est pas un institut de recherche tout à fait commun. Au moins deux choses le distinguent des autres concentrations de chercheurs.

Tout d’abord, une bonne partie de ses 166 collaborateurs vaque à ses occupations d’une manière souterraine, sous une grande verrière dans laquelle se dessine la silhouette du Centre Pompidou. C’est à dire aux niveaux -1 et -2 de l’établissement, sorte d’iceberg urbain faussement froid dans lequel les compositeurs, vidéastes et techniciens du spectacle aiment à venir se retirer pour de longues périodes créatives.

Deuxième originalité : en dépit de cette apparente réclusion, nul ici ne garde d’inaccessibles secrets, l’institut ouvrant régulièrement et largement ses portes au public : pour des concerts dans la fameuse Salle de Projection à l’acoustique réglable, lors du festival annuel Agora, pour les sessions de formation aux outils Ircam, ou encore pour le Forum annuel des utilisateurs de ces outils.

La 32e édition du Forum Ircam s’est tenue du 16 au 20 novembre derniers, cinq jours intenses (dont deux réservés aux développeurs) aux cours desquels on pouvait prendre connaissance de toutes les primeurs logicielles suscitées par l’Ircam : nouveaux outils, nouvelles versions d’outils existants, démonstration de dispositifs multimédia, projection d’oeuvres sonores. Cette année, un effort important avait été fait pour simplifier l’appropriation des outils par les apprentis sorciers venus recueillir la bonne pratique, plus que la bonne parole.

Forum Max Apps, par exemple, est une interface graphique très ergonomique qui permet de découvrir et de commencer à utiliser les applications Modalys, OMax et le SPAT sans connaissance préalable. Elle était présentée en ouverture du Forum par Manuel Poletti, son créateur...

Pour lire toutes les pages de cet article, cliquez sur les vignettes suivantes :

IRCAM

1, place Igor-Stravinsky, 75004 Paris

Tél. : 01 44 78 48 43 | 01 44 78 15 45

site de l’Ircam : http://www.ircam.fr/accueil.html

site du Forum : http://forumnet.ircam.fr/

Le Canon EOS-1D X chez Photo Prony

2011-12-09T11:50:00.000-08:00

Premier de la classe ?

En marge des Journées Privilège Canon qui se déroulaient chez Photo Prony les 8, 9 et 10 décembre derniers, on pouvait déjà prendre en main le boîtier Canon EOS-1D X. Alors que celui-ci ne sera commercialisé qu'au printemps prochain !

Il ne s'agissait évidemment que d'un premier contact, permettant néanmoins d'apprécier les qualités les plus visibles de ce nouveau venu. À commencer par sa compacité et sa légèreté. L'ergonomie de ce modèle est très poussée et la saisie de l’appareil très naturelle. En plus du déclencheur proprement dit, quatre commandes de pré-déclenchement sont dupliquées et autorisent avec le même confort les cadrages horizontal et vertical.

D'un point de vue optique, le viseur très clair couvrant 100 % de l’image cadrée et le grand écran arrière de 8,11 cm apportent un confort exceptionnel. Canon suit aussi la tendance en dotant le système d'exploitation du boîtier de nombreuses aides en ligne, bien mises en valeur par cet écran très lisible de plus d’un million de pixels.

Côté technique, les 61 zones de détection de l'autofocus impressionnent, ainsi que ses multiples possibilités de configuration. On notera par exemple le mode de priorité au déclenchement, sans activation de l’autofocus, qui permet de réagir très rapidement (36 ms de latence à l’obturation). Ce mode peut d’ailleurs être aussitôt suivi d’une exposition avec priorité à la mise au point. La vitesse de réaction de ce boîtier est bien l'une de ses grandes forces : la cadence de prise de vue s'élève en effet à 14 image/s ! À cette vitesse, le miroir reste levé en permanence et l’on perd l’AF. Mais jusqu'à 12 image/s, le miroir se relève pour chaque exposition et l'autofocus reste actif, ce qui est un exploit.

Qui dit rapidité dit sensibilité. Sur ce point, le Canon D1X bat des records : de ISO 100 à ISO 50200 en natif... Et de ISO 50 à 204800 en mode élargi ! Nous avons testé la position 50200 ISO dans le magasin du XVIIe arrondissement et sur quelques vues effectuées dans la rue, au téléobjectif. Résultat : des images certes bruitées mais parfaitement exploitables, détaillées et justes du point de vue de la colorimétrie. Notons que le firmware n’est pas encore totalement finalisé. La netteté des motifs lointains séchés avec le 600 mm laisse rêveur, le flou des avant et arrière plans étant très agréable. Côté exposition et balance des blancs automatiques, rien à redire. Le capteur à 18,1 millions de pixels est bien évidemment au format «full frame» 24 x 36. Les vidéastes apprécieront quant à eux la possibilité de filmer en HD (1920 x 1080, codec H264) à 24, 25 et 30 image/s.

Les photographes d'action et de sport vont aimer la possibilité de traitement des fichiers Raw, assez complète, que l’on peut effectuer directement avec l’appareil, ainsi que la connexion Gigabit Ethernet sur prise RJ45. Roch Lorente, responsable Pro Business Manager chez Canon France, le souligne : «Ce boîtier est évidemment conçu pour les professionnels et devrait être disponible en mars prochain. Nous en réserverons les premiers exemplaires aux agences de presse, car 2012 sera riche en événements médiatiques de toute sorte : jeux olympiques, élections présidentielles. À ce moment là il sera complètement stabilisé et devrait être proposé entre 6 et 7000 €. Vers avril, nous réorganiserons des journées où les amateurs pourront faire des essais avec le D1X et repartir avec leur carte mémoire pleine de clichés.»

Un lancement qui sera concomitant avec celui de la nouvelle famille de grands téléobjectifs de 600, 500, 400, et 300 mm, également présentés en avant première chez Photo Prony. Ici, ce qui frappe de prime abord, c'est la légèreté de ces nouvelles optiques par rapport à leur encombrement. Une réduction de poids due à la diminution du nombre de lentilles (qui passent par exemple de 18 à 16 sur le 600 mm), et à l’adoption de nouveaux alliages de magnésium et d'aluminium. Pour compenser la «simplification» de la formule optique du 600 mm, on note l’utilisation de 2 lentilles en fluorine, cristal très apprécié des opticiens pour sa très faible dispersion...

Le top départ est lancé… Il ne reste plus qu’à arriver dans les premiers pour passer commande !

Photo Prony

53- 55 rue de Prony

75017 PARIS

tel : 01 47 63 68 56

Informations constructeur détaillées sur Canon Professional Network

La Semaine du Son - Edition 2012

2011-11-23T04:06:00.000-08:00

L'annonce officielle de la 9e édition de la Semaine du Son a eu lieu hier matin à l’Ircam, partenaire de la toute première heure.

L'occasion d'avoir un premier échange avec Jacques Attali, parrain du millésime 2012, un personnage de la sphère politique et médiatique dont on sait moins qu'il est l'auteur d'un essai de référence sur la chose sonore (Bruit, au PUF, première parution en 1977), et qu'il est aussi chef d'orchestre amateur.

De gauche à droite, Christian Hugonnet, Président de la Semaine du Son,

Jacques Attali, parrain de l'édition 2012, et Frank Madlener, directeur de L'Ircam.

L’intervention de Jacques Attali reprenait les idées fortes de son essai, et donnait (peut-être) un avant-goût des thèmes qu’il abordera lors de sa conférence introductive de la Semaine du Son, le 16 janvier prochain.

Face à l’auditoire composé de partenaires, sponsors et journalistes, il parle beaucoup de la musique en tant que métaphore de la société et insiste à dessein sur l'équilibre entre violence et liberté qu'elle suggère. La musique est aussi selon lui l'un des tout premiers révélateurs d'une culture et de ses aspirations. C’est par elle par exemple que nous avons fait la découverte culturelle de l’Afrique... Tout le corps social se trouve dans la musique, dans la manière dont elle est écoutée, pratiquée, communiquée, diffusée. Démographie et musique sont les deux facteurs clés pour comprendre un peuple, et pour analyser comment liberté et pouvoir y cohabitent.

La musique s’est toujours située à l'avant-garde : utilisation des techniques nouvelles, émergence de comportements, développement des réseaux communautaires. Ce qui met d’ailleurs les dictateurs de certains pays bien mal à l’aise. L’expression musicale reste le mystère de la transmutation du bruit en œuvre d'art. Toute chose peut être violence, ou se sublimer dans une forme artistique. Il faut donc s'émerveiller du bruit de la vie avant même qu’il se transforme en musique. Mais il faut aussi se méfier du bruit de la rumeur. Si, selon Murray Schaeffer, un des précédents parrains de cette manifestation, «les sons se suicident dès qu'ils sont émis», Attali préfère souligner que la musique est à la fois mémoire et préfiguration de la civilisation.

Actualité oblige, il dresse aussi un étonnant parallèle entre la musique et le monde de la finance !

Toutes deux sont des matières où l’abstraction est maîtresse. La musique est bien entendu l’art abstrait par excellence. Mais la finance effectue aussi la virtualisation de l’échange. Lorsque l’échange de monnaie ou de titres remplace le troc, il devient théoriquement silencieux (plus de phase de négociation), donc pacificié.

La musique, selon Attali, constitue une forme de canalisation de la violence. Elle donne un sens à cette violence, et historiquement, la relie très fortement à l’activité religieuse des hommes. En adoucissant les mœurs de ce dernier.

Très tôt, la propagation et l’exécution de la musique dans la sphère publique annonçaient la globalisation, la mondialisation des échanges que l’on observe aujourd’hui sur la planète finance.

Et d’une manière comparable, les deux disciplines sont gouvernées par les nombres et des principes. Des règles qui sont régulièrement transgressées aussi bien dans l’une ou l’autre discipline.

Quand au silence, il se rattache métaphoriquement à l'écoute de soi. «Aime-toi toi-même pour pouvoir aimer les autres» se transpose aisément en «Écoute-toi (ton silence), avant d'écouter les autres ». Une réflexion qui émerge aujourd'hui dans nos sociétés. Car si nous sommes encore souvent dans le faire ou l’avoir plutôt que dans l’être, nous accordons une valeur extrême au temps passé ensemble. Attali reste donc optimiste : contrairement à certaines apparences, la société ne se replie pas sur elle-même, et elle favorise l’expression (musicale) de l’individu et du groupe.

On attend donc avec impatience les ultimes développements de cette foisonnante pensée prospective pour janvier prochain.

Entre autres objectifs annoncés de la Semaine du Son 2012 il s’agira, selon Christian Hugonnet, de «faire connaître le Décibel aussi bien que le degré Celsius au grand public». Mais le programme ne se résume pas à cela !

Et outre la Belgique, la Suisse et le Québec, 2012 verra la participation de trois pays d’Amérique centrale et latine : le Mexique, la Colombie et l’Argentine.

Associez-vous à la Semaine du Son en devenant membre de l’association, ou même sponsor ! Le contact :

La Semaine du Son

52, rue René Boulanger 75010 PARIS

Tel. 01 42 78 10 15 – Fax 01 48 03 43 13

mail : contact@lasemaineduson.org

www.lasemaineduson.org

Association loi 1901 : numéro d’ordre 98/4290
SIRET 452 577 067 00013 – APE : 9499Z

Pierre Boulez et l’orchestre de Paris

2011-11-21T07:47:00.000-08:00

Un concert exceptionnel et gratuit, dans un lieu non moins exceptionnel : sous la pyramide du Louvre !

Grand invité du Louvre en 2008, Pierre Boulez y reviendra le 20 décembre 2011, à la tête de l’orchestre de Paris, pour offrir à plus de 2000 spectateurs un grand concert exceptionnel et gratuit sous la pyramide du Louvre.

Le chef d’orchestre français apprécie particulièrement l’atmosphère féérique de ces soirées sous l’écrin de verre et de lumière de Ieoh Ming Pei et la proximité avec le public qu’elles permettent. Après le triomphe de L’Oiseau de feu de Stravinski en décembre 2008 et en juin 2009, il dirigera l’orchestre de Paris, habitué du lieu, dans un programme consacré à deux compositeurs majeurs et deux œuvres phares du répertoire du XXe siècle : La Nuit transfigurée de Schoenberg, dans sa version orchestrale, et le Concerto pour orchestre de Bartok.

Ce rendez-vous est le premier d’une nouvelle série de trois concerts gratuits sous la pyramide qui auront lieu chaque saison en décembre jusqu’en 2013, avec l’orchestre de Paris dirigé par Pierre Boulez, et qui viennent s’ajouter aux concerts organisés depuis 2007 en juin pour la Fête de la musique, avec le même orchestre.

A noter également que nous retrouverons le chef et l’orchestre le mercredi 21 décembre 2011 Salle Pleyel, dans un programme similaire (La Nuit transfigurée de Schoenberg, le Concerto pour orchestre et le Concerto pour piano n° 2 de Bartok, avec Bertrand Chamayou).

Mardi 20 décembre à 20h, sous la pyramide du Louvre :

Orchestre de Paris

Pierre Boulez, direction

• Arnold SCHOENBERG - La Nuit transfigurée

• Bela BARTÓK - Concerto pour orchestre

Informations pratiques :

- Accès par la pyramide du Louvre

- Informations : www.louvre.fr et au 01 40 20 55 55

- Entrée libre, dans la mesure des places disponibles.

- Public assis par terre.

SATIS - Novembre 2011

2011-11-20T04:32:00.000-08:00

Le salon des pros

Loin de vouloir faire un compte rendu complet de cette manifestation annuelle, il nous paraît néanmoins utile d’en décrire certains aspects. Dire que ce SATIS fut l’occasion d’annonces extraordinaires serait sans doute exagéré. Néanmoins, l'édition 2011 regroupait une fois de plus un nombre assez représentatif d’acteurs majeurs de l’audio, de la vidéo professionnels et de l’industrie du cinéma, et permettait a minima de dégager les tendances technologiques du moment.

Le SATIS est donc un salon, grand mais pas immense, visité par plus de 15 000 personnes, et qui s’est tenu pour la première fois cette année à la Halle Frayssinet dans le 13^e arrondissement de Paris. C’est donc tout d’abord l’occasion de déambuler dans les allées animées (et un peu bruyantes) à l’affût des nouveautés des constructeurs ou des démonstrations spectaculaires de certains exposants.

Comme cet écran géant plasma Panasonic TH152UX1 (152 pouces soit 3,9 m de diagonale) de très haute définition, qui accueille le public dès l’entrée de la halle. Il affiche une résolution de 3840 pixels x 2160 lignes soit près de 8,3 Mégapixel - à comparer avec nos 1920 x 1080 lignes du moment (à peine plus que 2 Mégapixel). Ces chiffres sont également à mettre en perspective avec la définition actuelle de l’image la plus poussée pour les caméras numériques cinéma : elle est dite «4K» et affiche 4096 point x 2160 lignes, soit près de 8,9 Mégapixel. Pour l’instant, l’image cinéma reste donc très en avance sur le standard TVHD européen… On respire, mais l’ultra HD dans nos salons est presque pour demain !

L'Audio

Côté audio, on retrouve évidemment les grands du domaine, tels que Studer, Neve, SSL, Yamaha (stands en propre ou à travers leurs distributeurs).

Chez Nagra par exemple, on pouvait voir et toucher le Nagra VI 60^eanniversaire équipé de sa belle façade alu, et le petit préampli-micro EMP à 2 canaux qui permet de compléter discrètement les 4 entrées micro du Nagra VI, ou d’enregistrer de manière autonome à la définition maxi de 48 kHz/16 bits (à gauche). On pouvait aussi y admirer le nouvel enregistreur portable SD sur cartes du même nom (à droite).

Nous retrouvions également la marque Antelope Audio, présente cette année au Salon Hifi Home Cinéma, ici avec ses horloges de studio de la série Isochrone, ses jolis et talentueux convertisseurs de la famille Zodiac, et un prototype du nouveau fleuron de la marque, l’Eclipse 384.

Véritable préampli numérique haut de gamme, cet appareil comprend des étages d’entrée et sortie analogiques au niveau ligne, des convertisseurs AD et DA de la meilleure tenue, de nombreuses entrées et sorties numériques (électriques sp/dif, AES/EBU et optique TOSLink), et un système interne de double horloge qui trouvera son utilité surtout dans un contexte de conversion de fréquence. Mais cet appareil typé pro pourrait aussi bien équiper des installations domestiques de qualité…

Non loin de là, le distributeur Juke Box Limited déployait une belle panoplie de micros, préamplis, consoles, compresseur/limiteurs et autres effets analogiques, que l’on pouvait écouter notamment grâce à la gamme de casques Ultrasone, la marque allemande qui fait parler d’elle à juste titre depuis quelques années. Une comparaison rapide entre «l’ancienne» référence Pro 900 et la toute nouvelle Pro Signature s’avérait largement à l’avantage de cette dernière. En tout état de cause, ces casques présentent une transparence et une consistance sonores très remarquables.

Autre distributeur incontournable pour les preneurs de son : Areitec, le distributeur historique des marques Schoeps, Zaxcom, Sonosax. Ces deux derniers constructeurs de «mixettes» et d’enregistreurs portables numériques ont récemment enrichi leurs gammes, avec respectivement le modèle modulaire Zaxcom Nomad (jusqu’à 6 entrées micro et 12 pistes d’enregistrement au total, stockage sur carte CF ou SD, transfert des fichiers par Wi-Fi) et le Sonosax SX62R (comprenant un mixeur 6 voies avec un véritable bus de mixage stéréo analogique et enregistreur 8 pistes complet sur disque SSD et carte CF). Airetec importe également MicW, marque sino-anglaise produisant notamment le modèle i-436, petit micro de mesure de très bonne qualité permettant de transformer un i-phone en multimètre audio.

Chez DPA (ex Bruel & Kjaer), présentation de la nouvelle série Reference Standard Mics de transducteurs statiques modulaires. Ici encore il ne s’agissait pas d’une nouveauté absolue, mais il convenait néanmoins de revenir sur ce petit événement dans le monde de la prise de son. Jusqu’ici, DPA ne jurait que par le micro monocorps dédié à une seule application (omni, cardio, hyper cardio, etc…). Une manière pour la célèbre marque danoise de se rendre un peu plus accessible…

Signalons également AETA, fabricant français de codecs audio, qui depuis un an propose son sympathique ForMinX, enregistreur numérique compact à 4 entrées micro, qui constitue une alternative intéressante à certaines solutions plus prestigieuses mais également plus coûteuses.

Les monitors de studio allemands ADAM, dont certains modèles font les éloges de la presse audio domestique, étaient également de la partie. Leur fabrication est exemplaire, leur prix très attractif, et leur restitution sonore séduit de plus en plus de professionnels du studio.

Pour conclure cette partie consacrée au son, citons les sessions d’écoute organisées par Radio France, avec des extraits d’opéras, de reportages ou de concerts pop, sur un système 5.1 de monitors actifs et paramétrables de marque Dynaudio. On entendait par exemple des morceaux du concert de Patti Smith à New-York récemment diffusé sur France Inter, dans une version spatialisée inédite.

Malgré les difficultés rencontrées par l’équipe lors de la prise de son sur place, cette tentative d'immersion au sein du public s’avérait à l’écoute plutôt réussie. Le monde de la radio s’intéresse depuis longtemps aux techniques du multicanal, mais malheureusement sans véritables débouchés concrets de diffusion pour l’instant (si l’on excepte certaines prises réalisées pour la réalisation de DVD). Les ingénieurs du son de la maison ronde tentent néanmoins de mettre au point des protocoles «systématiques» permettant une mise en place et une exploitation rapides de prises de son multicanal. Notons que dans le cas du concert de Patti Smith, rien moins que 14 micros étaient utilisés, en plus des voies «scène» transmises par la régie de sonorisation (!) afin de recueillir l’ambiance de salle.

L'image

Côté image, on retrouvait bien sûr les grands du secteur, tant au niveau prise de vue que projection. Toujours en bonne place, les caméras allemandes Arriflex côtoient les marques japonaises Sony, Canon, Panasonic et JVC.

Pour la projection, Christie et ProjectionDesign continuent de fournir une bonne partie du marché du projecteur cinéma et corporate (applications d’entreprise). Mais à la différence de ProjectionDesign, Christie n’aborde pas le marché grand-public.

Depuis quelques années, les nouveaux venus dans la vidéo pro sont paradoxalement les appareils photos numériques, rebaptisés DSLR (Digital Single Lens Reflex). Canon 5D en tête, appareil avec lequel de nombreux courts, moyen et même longs métrages ont désormais été tournés. Cette mouvance fait les beaux jours de fabricants d’accessoires pour l’appareil photo et la caméra tels que L'Aigle, jeune marque française qui propose, à des prix restant abordables, une série d’aides astucieuses à la prise de vue cinéma (supports, stabilisateurs à main, d’épaule ou avec harnais) utilisant les matériaux sélectionnés : latex hyper-élastique, fibre de carbone, carbure de tungstène, aluminium, titane.

Cette tendance profite également à la société française justement baptisée DSLR masterclass, une petite société qui se consacre à la formation (sous forme de stages de 3 jours) à la prise en main de l’attirail du ciné-photographe (ou du reflex-vidéaste, comme on voudra), avec rappels théoriques et applications pratiques. Les autres grandes écoles de formation aux métiers de l’image et du son sont également présentes. Une bonne partie du public du SATIS est donc constituée par les étudiants et les enseignants de ces instituts…

Plusieurs sociétés proposent également le report du super 8 ou du 16 mm en vidéo (jusque là, rien d’exceptionnel) mais avec des fonctions automatisées de ré-étalonnage couleur et d’atténuation des à-coups pendant le filmage. Une solution qui s’adresse donc au cinéaste amateur (ou à son père, voire à son grand-père).

Au nombre des accessoires étonnants présents sur le salon, les hélicoptères miniatures télécommandés d’Air Drone (équipés de 6 rotors disposés en arc de cercle !) permettent d’emporter appareils photo et caméras pour des prises de vue aériennes qui coûtent moins cher que la sortie en avion. Sauf peut être si l’engin est mal piloté ! Mais ici, vous aurez à faire à de vrais professionnels.

La technique des écrans auto-stéréoscopiques se stabilise (ce que l’on ne voit pas sur l’écran ci-dessus, pourtant bien capable de reconstituer une saisissante impression de relief). Chez Relief Factory, on produit des films 3D promotionnels ou corporate nécessitant tout de même une captation image selon huit points de vue indépendants, et diffusés selon le procédé développé par Alioscopy. Chez 3D4COM, on aménage et on installe du matériel de diffusion 3D chez les professionnels. Chez Pepsicolor, la technologie mise en œuvre est moins gourmande en nombre de canaux mais tout aussi spectaculaire. Et ce prestataire se propose aussi de convertir tout bon footage 2D ou 3D (L+R) en images autostéréoscopiques avec d’excellents résultats.

NewTek est l’un des géants de la régie audiovisuelle et propose entre autres choses toute une technologie de plateaux virtuels.

Ou comment faire de la télévision dans un boudoir, tant il paraît facile d’habiller en temps réel un ou plusieurs speaker avec n’importe quel décor (et même de les positionner dans celui-ci de manière farfelue !).

Instituts de formation, presse et éditeurs spécialisés sont également présents et notamment Réalisason, le bi-mensuel français de l’audio pro, co-organisateur des conférences spécifiques qui se déroulaient dans les espaces Théma.

Conférences

Car le SATIS, c’est aussi l’occasion d’assister à des conférences généralistes ou spécialisées, dont certaines devraient être déclarées d’intérêt (grand) public !

Elles sont organisées selon les cas sur la grande scène de l’Agora, ou dans les plus petites salles dédiées à des sujets pointus, aussi divers que le Cloud Computing appliqué au broadcast, l’intégration des résolutions caméra 4 et 5K dans les workflow actuels, l’utilisation de la réalité augmentée, ou encore, comme ici, l’Iphone comme couteau suisse de l’ingénieur du son, animée par Michel Pierre, directeur technique d’Areitec et Gisèle Clark, directrice de Réalisason.

Côté logiciels, ce sont les éditeurs tels qu’Adobe, Apple ou Avid qui délivrent en temps réel de nombreuses sessions de découverte ou de mini-formation sur leurs nouveaux produits. C’est ainsi que des formateurs chevronnés réquisitionnés pour la circonstance doivent présenter un maximum de fonctionnalités d’un Adobe Premiere ou d’un Final Cut Pro en un minimum de temps, avec une dextérité avoisinant les 24 clic-souris/s.

Parmi les conférences programmées à l'Agora, citons en guise de conclusion ouverte, «Nouvelles technologies en production 3D», donnée par Bernard Mandiburu, auteur de l’ouvrage «3D Movie Making» et Vice-President Technology de Volfoni. Une société fondée en 2007, leader dans la vente et la location de solutions 3D pour le cinéma en France.

Cette intervention tentait de faire le point sur l’état du marché mondial et de la production de films en 3D, en évitant l’écueil de l'interminable collection de statistiques. Que faut-il en retenir ?

Nous ne l’avons peut être pas trop su en France, mais pour ainsi dire à peine lancé, le cinéma 3D a connu un été 2011 très difficile aux Etats Unis. Le relief au cinéma était-il déjà passé de mode ? En tous cas, ce marché a connu une baisse sensible de fréquentation par rapport au phénomène «Avatar». Et beaucoup d’observateurs se sont interrogés : finalement, à quoi sert la 3D ?

Cette remise en question suivait en fait le cycle naturel des nouvelles technologies, qui connaît souvent des phases de renaissance qui durent 1 ou 2 années à peu près tous les 25 ans, avant de re-sombrer dans l’oubli ou de s’installer pour de bon. Il en est allé ainsi du son multicanal (la quadraphonie de la fin des années 70) et, bien avant encore, de la stéréoscopie (l’engouement du public pour les anaglyphes date des années 20).

Finalement, il faut constater que le surcoût de la 3D relief au tournage est assez faible. La production 3D devient elle-même de plus en plus simple. Par ailleurs, les directeurs s’auto-censurent d’eux-mêmes. Il n’y a déjà plus beaucoup de films de «genre 3D» et chacun convient qu’un mauvais film 2D ne fera jamais un bon 3D… A l’inverse, selon l’avis de B.Mandiburu (et selon le nôtre aussi) «Pina» a été l'exemple remarquable d'une production réussie où la 3D a apporté un vrai plus.

Et c’est l’affluence dans les studios de post-production pour la conversion des blockbusters tournés en 2D à la 3D relief. Il n’y a pas que les «Star Wars» de Spielberg qui y passent ! Pendant ce temps, Peter Jackson tourne son nouvel opus en 3D, avec des caméras 4K voire 5K, à 48 im/s. Toute cette technologie a donc de beaux jours devant elle. D’autant plus qu’outre atlantique plus personne ne se plaint de mal au crâne à la sortie des salles car l’effet relief est aujourd’hui mieux dosé. Mieux encore, des études tendent à montrer que l’image animée en relief a un effet bénéfique sur les jeunes enfants dyslexiques qui présentent de gros problèmes de lecture : regarder régulièrement un film en 3D favoriserait l’apprentissage de la lecture et de l’écriture. La 3D augmente la compréhension des messages ? Une ouverture dans laquelle ne vont pas manquer de s’engouffrer les producteur de contenus éducatifs. Tout ceci constitue un tableau peut être un peu idyllique… mais tout de même étayé par quelques faits incontournables.
Pour finir, quand quitterons-nous nos lunettes au cinema pour voir en stéréo ? Sans doute pas avant une dizaine d’années. Pour l’instant, l’écran autostéréoscopique est encore trop délicat à généraliser : pour une diffusion de très bonne qualité, il nécessite un tournage sous de nombreux angles de prise de vue. Ce procédé lenticulaire est gourmand en définition. Du coup, le minimum requis pour visualiser une image de haute qualité serait au minimum de 4K (voir l’intro). Dernier point : il ne peut s’observer que sous des incidences bien définies (positions du spectateur entre lesquelles l’image «saute»).

Pour retrouver toutes les informations relatives à ce salon ainsi que les podcasts des conférences, cliquer sur SATIS

Prochains rendez-vous professionnels du même type : les JTSE, salon international des techniques du spectacle, aux Entrepôts et Magasins Généraux de Paris (Porte de la Chapelle) les 29 et 30 novembre 2011,

puis le SIEL, salon des solutions scéniques et événementielles. Ce sera du 29 au 31 janvier 2012, à la Grande Halle de La Villette.

Salon Haute Fidélité - Novembre 2011

2011-11-14T16:08:00.000-08:00

La 9^e édition du Salon Haute Fidélité s’est déroulée les 12 et 13 novembre derniers, en l’hôtel Marriott de Paris (14e arrondissement). De belles perspectives d'écoute pour les amateurs, venus en assez grand nombre dès les premières heures du samedi et restés, parfois en famille, jusqu'aux dernières minutes d'ouverture le dimanche soir.

Comme à notre habitude, nous avons poussé les portes d’une sélection de salles d’écoute afin de découvrir les belles surprises que nous réservaient les importateurs ou fabricants de matériels audio. Car même si ce salon reste à taille humaine, et uniquement dédié aux installations purement stéréophoniques, il m’aurait été difficile d’en faire une couverture complète.

L’intérêt pour l’audio haut de gamme se maintient donc, voire se développe, en dépit de la persistance d’une situation économique déplorable. Cela étant, entre visite de salon et prise de commande, il y a un pas que beaucoup hésitent à franchir. Malheureusement, il y a toujours parmi les visiteurs une proportion importante d’incrédules, qui ne viennent semble-t-il que pour se convaincre que cette haute fidélité est décidément beaucoup trop chère !

Leur opinion est justifiée par des résultats parfois décevants obtenus avec certains systèmes très coûteux, que les exposants ont évidemment du installer très vite. Mais pour comprendre l’attitude de ces déçus, il faut aussi noter une tendance à l’inflation des niveaux sonores dans les pièces d'écoute, et ce dès les premières heures du salon. Peut-être cela accélère-t-il le rodage des appareils, mais cela a également pour conséquence d’éloigner ceux dont le tympan est le plus sensible, à un moment où la plupart des installations ne délivrent pas le meilleur d’elles-mêmes. Il est bien sûr tentant de donner dans le spectaculaire lorsque l’on présente des systèmes hifi de haute performance. Mais n’oublions pas qu’un beau système est également fait pour profiter de toutes les subtilités de la musique... de chambre.

Par ailleurs, il est évident que les démonstrations les plus captivantes (et les plus sereines) sont celles effectuées à heures fixes, «à guichet fermé», en alternance avec le stand voisin. Certes, cela impose une discipline. Mais on aménage ainsi des plages horaires dédiées à la discussion avec les représentants des marques, à la déambulation autour de ces merveilles technologiques et… à une certaine forme de repos auditif. Conseil désintéressé de Signal sur bruit à l’attention de tous les exposants : généralisez cette manière de procéder et limitez un peu les niveaux sonores. Et vos visiteurs repartiront encore plus satisfaits qu’ils peuvent l’être aujourd’hui !

Aphrodite's Melody

Dans une très grande salle, l’importateur avait déployé une jolie collection d’enregistreurs Nagra, dans laquelle figuraient quelques petits monstres sacrés de l’audio pro.

Les platines slovènes Kuzma et les enceintes canadiennes Verity Audio étant désormais assez bien connues en France‚ il fallait ici se pencher sur le cas d'un drôle d'appareil au look délicieusement désuet, mais qui regorge de concepts et de composants d’avant-garde.

Il s’agit de l’ampli intégré suisse Dartzeel CTH 8550, un objet de luxe qui fait tout ou presque (étage phono MM et MC optionnel, réglage de gain individualisé sur toutes les entrées, potentiomètre de volume opto-couplé, grand afficheur plasma, 2 x 200 W de puissance de sortie) pour un peu moins de 20 000 €, et qui aurait pu décrocher un rôle dans La Planète Interdite. Restitution ample bien qu’un peu sèche dans les premiers moments du salon, mais tendance à plus de souplesse après quelques heures de fonctionnement. En tous cas, voila un intégré capable de driver un très gros système installé dans une très grande salle sans le moindre signe de faiblesse !

A quelques pas de là mais toujours chez le même importateur, on croyait reconnaître la silhouette des regrettés panneaux Apogee.
Après examen, il s’agissait bien de transducteurs magnétodynamiques plans, mais de marque grecque Analysis.
Les quelques premières minutes d’écoute s’avéraient un peu déroutantes, mais ces panneaux révélaient vite la magie dont ils sont capables : forte immersion dans l'évènement musical, profondeur de la scène sans commune mesure avec les quelques 1‚5 m qui les séparaient du mur arrière et très bonne descente dans le grave.
Curieusement, ces panneaux ne semblaient pas totalement dénués de signature sonore : ils ne poussent tout de même pas la notion de définition absolue aussi loin que leur arrière-cousin américain. Il reste que, par principe, ce type de transducteur est hyper gourmant en courant et que même l’excellent intégré Dartzeel déjà cité n’y suffisait peut être pas tout à fait… En tous cas, une marque de transducteur à suivre !

ZED

A l’occasion de son 50^e anniversaire, Kef a donc réalisé l’enceinte Blade (25000 € la paire), véritable ovni acoustique, dont nous parlions dans un récent compte-rendu de salon. La forme si particulière de ces haut-parleurs est rendue possible par l'adoption de la fibre de verre et à son moulage. Chaque enceinte n’abrite pas moins de quatre boomers et un haut parleur médium-aigües coaxial baptisé Uni-Q. Une structure qui s’avère en définitive totalement non résonnante.

A la modulation du signal, lecteur Esoteric K03, horloges et DAC Antelope. Et pour remuer ces Blade (tout en les maintenant correctement en place !), deux blocs de puissance Pass Labs X 1000.5 de 1000 W en classe AB sont appelés à la rescousse (36000 € la paire), précédés par le nouveau préampli XP30 de la marque, en trois éléments séparés ! Attention, si ces monstres vous intéressent, il conviendra tout d’abord de refaire complètement l’installation électrique de votre domicile et de changer le calibre de votre abonnement…

Car il ne s’agit pas d’un système confidentiel ! Mais même dans une salle bondée à chaque tranche horaire d’écoute, la restitution est tout simplement majestueuse, sans redondance mais avec une totale maîtrise dans le grave, et avec une image à tomber. Un système câblé Stealth qui donnait une impression très proche de la réalité du concert (sur des prises de son bien faites, bien entendu).

Fusion Acoustic

Un des stands les plus agréables à fréquenter d’un point de vue auditif, et qui présentait une triplette gagnante de marques de prestige : les enceintes Rockport Technologies Alya, le préampli Gryphon Mirage, le magnifique bloc stéréo Colosseum du même constructeur, et le lecteur EMM Labs XDS1.

Ces quatre là distillaient une très belle écoute, ample et douce, fluide et précise. Quasiment magique ! D’ailleurs, en parlant de magie, les enceintes Alya partagent des principes de conception communs avec certains modèles d’une marque américaine ultra prestigieuse très en vogue ces dernières années... Elles ont été conçues pour donner le meilleur dans une pièce d’écoute de taille modeste (15 à 30 m2), même si leur prix ne l’est pas tout à fait !

Mais ici, dans une salle sensiblement plus grande, ce système de grande classe fonctionnait déjà très bien en début de journée le samedi. Preuve qu’il existe aussi des systèmes pointus capables de donner le maximum ou presque dès l’allumage des feux.

Avec quelques (très) bons produits de base et du savoir-faire, on compose de savoureuses recettes, la touche finale de saveur étant délivrée par les câbles espagnols Fono Acustica Armonia - qui semblaient à la fois très transparents et délicats (et ont beaucoup fait parler d’eux ces derniers mois).

HDH Audio

A mon entrée sur ce stand un beau système s’exprimait librement, composé d’enceintes Stirling BBC LS3/6 et de blocs mono à tubes II Eighty de chez Quad (7000 € l’unité). Ça chantait et ça swinguait plutôt bien, avec des extraits musicaux du tout venant pas particulièrement typés audiophile. C’est bon signe ! La matière instrumentale était bien là, et la musicalité également. On retrouvait avec ces modèles Stirling tout ce que l’on a l’habitude d’apprécier chez les références anglaises telles que Rogers et Hartbeth, dont beaucoup de modèles furent conçus sur cahier des charges de la BBC.

Puis on élargissait le cadre en passant sur les grands panneaux électrostatiques Quad 2905 (environ 9000 €, selon finition), mais cette fois en association avec l'intégré II Classic Integrated de la marque (4300 €). En source, un lecteur Audiolab intégrant un étage préampli et un ensemble serveur Bel Canto en alternance.

Le panneau s’avère sec et précis, avec toutefois quelques limitations en dynamique et en niveau absolu dans le grave, en partie dues au choix de l'alimentation avec le petit intégré. Mais la transparence est au rendez-vous, sans être toutefois exacerbée. Avec des morceaux de jazz vocal, on décode sans problème la signature des micros de la plupart des chanteurs. Un grand système intimiste en quelque sorte.

Privatech

Privatech faisait un peu le scoop du salon avec la présentation de l’association Steinway-Lyngdorf (en écoute sur réservation). Une marque depuis peu au portefeuille de l’importateur, à côté des plus traditionnelles enceintes Dali, des électroniques allemandes Audionet et américaines Cary. La démonstration Steinway était bien orchestrée par le responsable Europe de la marque et jouait ostensiblement sur l'aspect novateur et spectaculaire des deux systèmes présentés.

On commençait par l’étonnant «petit» système de la Série S reposant sur une paire de mini-enceintes collées au mur et d’une paire de caissons de grave rejetés dans les coins de la pièce.
Système capable d'un niveau impressionnant et de transitoires fulgurants. Malgré le placement contre le mur des satellites et des caissons, le système n’affichait pas de détimbrage flagrant ni de tendance au boursouflement du grave. Il faut préciser que le préampli numérique intègre un système de correction de pièce. En revanche, l’image stéréophonique reste relativement tassée dans le plan des enceintes, ce qui est relativement inévitable compte tenu du principe.
Les amplis sont numériques également et dédiés d’une part à l’alimentation des satellites, d’autre part aux caissons, sans passage dans le domaine analogique. La mise en perspective du volume et du niveau reproduits par rapport à la taille du système laissaient les auditeurs relativement pantois ! A 19000 € l’ensemble, on relativise un petit peu cet exploit. Mais un tel système reste attractif pour ceux qui souhaitent acquérir une installation audio de haute couture qui n’envahisse pas l’espace vital.

On passait ensuite au très gros Système D (on sourit), au cahier des charges subjectif jusqu’auboutiste : être capable de reproduire un piano Steinway Grand D et un orchestre au grand complet dans pratiquement n'importe quelle salle.

Pari gagné semble-t-il ! Les enceintes du système D sont en fait des dipôles actifs numériques à deux voies d’amplification (de 400 W chacune). La borne préampli/lecteur intègre bien sûr un système sophistiqué de correction acoustique de pièce. Sa mise en œuvre repose sur une cartographie précise de la salle d’écoute dans une première phase de calibration, à l’installation du système.

La démonstration était menée avec des extraits mettant bien en évidence les qualités du système, mais en nombre assez limité. On commençait par l’orchestre du Danemark avec un extrait de concerto pour piano, on passait par Aaron Neville et on terminait par un extrait de The Wall, toujours très à la mode dans les salons. Cette configuration full range parfaitement équilibrée s’avèrait complètement à l'aise sur le programme classique et peut être un iota moins extraordinaire dans le registre pop... Un système full range remarquable, prodiguant une musicalité de très haut niveau pour la somme rondelette de 160 000 €.

BC Diffusion

En attendant de redonner un second souffle à la carrière des enceintes BC Acoustique (courant 2012), l’importateur présentait en statique une multitude de nouveaux produits dans des gammes de prix très attractives : les électroniques allemandes Block à la finition incroyable pour le prix (image ci-contre), les enceintes anglaises compactes Q Acoustics, les multiples sources et amplis TEAC.

En démonstration, le lecteur CD/SACD TEAC CD 2000 et l’ampli intégré AI 2000 alimentant les enceintes Q Acoustics 2050. Peut être le système le plus abordable du salon, mais pas en reste du point de vue de la musicalité.

IHT

Chez IHT, on faisait alterner deux écoutes. Tout d’abord, les petits monitors Dynaudio Focus 160 démontraient une réponse impressionnante dans le grave. L’ampleur subjective et la musicalité de ce petit système - alimenté par une source et un intégré Music Hall de modeste ramage - laissaient incrédule le plus blasé des audiophiles. Ces performances restaient de plus très constantes même en dehors de l’axe médian. Si l’on ajoute que cet ensemble ne coûte pas plus de 4000 €, nous n'étions ici pas loin du miracle. Sans doute le meilleur petit système du salon !

On passait ensuite un moment exceptionnel en compagnie d’une combinaison électroacoustique 100 % nordique, dans une pièce où, notons-le, les niveaux d'écoute restaient toujours raisonnables. Il s’agissait d’un système composé des enceintes Dynaudio Confidence C4 Mk2, du préampli Siltech C1, des lecteur CD EMC-1 et blocs de puissance Nemo d’Electrocompaniet. Câblage 100 % Siltech comme il se devait.

Un système full range magistral capable de beaucoup de swing, ceci notamment grâce à une source extrêmement chantante et détaillée : le «petit» lecteur Electrocompaniet à 5000 €. Ce dont on se rendait compte à l’évidence sur les voix de Shirley Horn ou de Louis Armstrong, qui reprenait à juste titre «It don’t mean a thing if it ain’t got that swing…».

Et l’on redécouvrait littéralement «We get requests» d’Oscar Peterson, comme s'il avait été enregistré hier et que l’on réécoutait le master en cabine avec l’ingé son.

Et pour ce qui est du prix du système, il s'agissait presque d’une affaire : 100000 € en tout – mais dont 33000 pour le seul préampli !

Ce Siltech C1 est considéré par certains critiques comme l’un des meilleurs préamplis au monde. Il a été conçu par un surdoué de l'électronique, qui n'hésite pas à marier les tubes et une alimentation sur batteries. Des blocs de puissance monophoniques hybrides tubes transistors (en 2 châssis séparés) sont en préparation chez Siltech… aïe, aïe, aïe !

Tecsart

Il règne souvent un très joli capharnaüm sur le stand de cet importateur, toujours bourré de matériel. Cette édition ne faisait pas exception à la règle ! Mais à y regarder de plus près, deux systèmes étaient à l’écoute, avec quelques variations possibles.

D’un côté, le lecteur Lector CDP 7 avec étage de sortie tubes et alimentation séparée, un ampli intégré italien Mastersound 845 utilisant les tubes éponymes, et une paire d’enceintes monitor suisses Heil AMT Aulos faisaient très bon ménage. Au menu, nous avions droit à l’acidité réaliste mais contrôlée de la trompette, la rondeur naturelle de la contrebasse, la luminosité délicate du piano. Tout y était (ou presque) pour environ 10000 €.

Après une rotation de 90° vers la gauche, on découvrait un système plus massif composé tout d’abord d’une platine vinyle EAT E-Flat au surprenant bras plat en fibre de carbone équipé de la cellule Yosegi (5 000 € le tout). Nous avions parlé de cette marque tchèque à son arrivée en France il y a deux ans.

Côte électronique des références italiennes Audia Flight étaient bien entendu présentes : le lecteur CD One M déjà bien connu, le préampli Phono, et surtout les nouveaux préampli Strumento n°1 (12 000 €) et bloc stéréo Strumento n°4 (18 000 €). Leurs caractéristiques techniques sont proprement sidérantes.

Ces électroniques mettaient en mouvement les robustes enceintes Fisher & Fischer SN 510 (9800 €) dont l’ébénisterie est en... ardoise naturelle. Du gros son très rapide. Il faut aimer les sensations fortes car les niveaux d’écoute, qu’encaissaient imperturbablement les enceintes allemandes, étaient ici assez élevés. Il faut reconnaître qu’il s’agissait d’une certaine forme d’absolu, mais pas forcément destiné aux âmes les plus sensibles…

Jazzy Bird

Enfin, à défaut de pouvoir s’offrir les systèmes les plus coûteux présentés ici, on pouvait toujours repartir du salon avec quelques galettes d’exception, telles que cette édition en deux 45 tr du séminal «Out of the cool» de Gil Evans, que l’importateur Jazzy Bird distribue activement en France pour le plus grand bonheur des collectionneurs de belles gravures…

Et donc, rendez-vous l’année prochaine pour les vingt ans du magazine Haute Fidélité et les dix ans de ce salon d’exception !

Salon Hi-fi Home Cinema - Octobre 2011

2011-10-05T09:19:00.000-07:00

Premier événement majeur de cette rentrée encore très estivale pour les amateurs de musiques et d’images, le Salon Hi-Fi Home Cinéma de la SPAT s’est tenu les 1er et 2 octobre derniers. Cette manifestation mettait cette année l’accent sur une rubrique complémentaire : Technologies d’intérieur... et s'enrichissait d'un ensemble de conférences portant principalement sur les techniques d'intégration audio et vidéo. Un thème brûlant en ce chaud début octobre 2011, et des sessions très intéressantes, selon un revendeur croisé à l'issue du salon, venu puiser les informations qu’il est désormais nécessaire de connaître face au client exigeant.

Car la décennie à venir sera d’abord celle de la dématérialisation totale des sources audio et vidéo, et qui s’avère heureusement de plus en plus qualitative. En parallèle, l’amateur de haute fidélité et/ou de home cinéma, qui s’est largement sociabilisé et ne vit plus sa passion en homme des cavernes, ne souhaite plus multiplier appareils, supports, câbles et enceintes envahissantes…

Enfin, pour faire court, homo modernicus veut pouvoir tout télécommander de son environnement domestique avec son i-phone ou sa tablette... Il est donc grand temps que le vieux continent s’ouvre à des technologies déjà bien rôdées outre-atlantique par exemple.

Pour en revenir au salon en lui-même, on oscille toujours dans cette très large manifestation entre des démonstrations quelque peu tonitruantes et des séances d'écoutes plus recueillies, les secondes pouvant malheureusement être un peu polluées par les premières. Cela étant, si l’on se souvient avec émotion des toutes premières éditions du Festival du son de la fin des années 70, il faut admettre qu'elles se déroulaient pour la plupart d’entre elles dans la plus grande cacophonie de l’immense salle du Palais des Congrès de l’époque. Encore fallait-il traverser la rue pour se rendre dans les salons de l’Hôtel Méridien et profiter d’écoutes en chambre de matériel haut de gamme (du moins certaines années).

Ici, au Pullman Paris Rive Gauche de la Porte Balard, les plus grands acteurs de l’industrie électronique/acoustique, bien installés dans leurs immenses stands climatisés, ont pour voisins de curieux artisans un peu à l’étroit dans de petites pièces regorgeant d’appareils biscornus et gros générateurs de calories. Car, tant mieux pour nous, il existe encore une haute-fidélité « à l’ancienne » qui s’écoute et se contemple (même lorsqu’elle n’offre pas l’image !). Et c’est bien l’un des atouts de cette manifestation que d’offrir toutes ces perspectives en une fois, sous un même toit.

Parce qu’il me fallait malheureusement faire court cette fois-ci (et aussi que j’aime bien être à contre-courant !) ma visite s'est orientée d'elle même hors des sentiers battus, vers la découverte de quelques nouvelles marques - ou du moins de marques nouvellement importées en France - et d’autres qui restent encore quelque peu confidentielles. Et dont les produits ou systèmes ne reflètent que peu le concept d'intégration multimédia globale !

En dehors du mainstream, il faut en effet continuer d’explorer quelques niches, et notamment celle de la douillette stéréo nourrie des bonnes gravures de papa (papy ?), toujours d’actualité...

° ° °

Pour démarrer donc, coup de flash sur les DAC bulgares Antelope Audio, une société spécialisée depuis une quinzaine d’année dans la fabrication d’horloges de studio (peut être parce que la Bulgarie jouit, outre les grands faunes et la savane, d'importants gisements de Rubidium ?).

Les 3 modèles de convertisseurs Zodiac (1600 €), Zodiac + (2200) et Zodiac Gold (3000) présentent des entrées numériques spdif, toslink et bien entendu high speed USB, indispensable aujourd’hui. Mais ils incorporent également un étage préampli à contrôle analogique de gain, deux sorties casque dotées de très bons amplificateurs et peuvent recevoir une alimentation optionnelle Voltikus (700 €). Pour l’amateur de musique dématérialisée qui télécharge, utilise son lecteur CD en tant que transport et écoute peut être également un tuner (analogique), c’est parfaitement adapté.

Le Zodiac Gold traite et rééchantillonne les flux à 384 kHz, tout en en effectuant un travail poussé de resynchronisation.

Ce plus gros modèle était écouté ici successivement avec un transport CD ou ordinateur, dans un système constitué d’un ampli de puissance Bryston et qui faisait alterner les fines colonnes PMC GB1 (1800 €, absentes sur l’image ci-dessous), les plus imposantes OB1 (4800 €, à droite) et les majestueuses MB 2 (14000 €, à gauche).

Chacune, dans sa catégorie respective, est un véritable «bargain»(*) comme diraient les anglais, et pas seulement ceux qui les conçoivent. Droiture, souplesse, clarté tonale et surtout spatialisation avantageuse sont au rendez-vous avec ces références professionnelles, qui font aussi beaucoup de bien à l’oreille de l’amateur averti.

Dynamique, naturel, clarté, tension et fluidité, beaucoup de qualités musicales étaient au rendez-vous dans une restitution excluant tout caractère électronique, y compris sur de difficiles partitions médiévales vieillies exclusivement en fût de chêne... Le résultat était plutôt vert, certes, mais sans aucune agressivité même à fort volume.

(*) Affaire en or

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Canor, marque slovaque pour l’instant relativement inconnue en France, propose de très beaux appareils à tubes, musicaux et assez abordables.

On écoutait une très belle suite d'électroniques – lecteur CD2 VR+ (3190 €), ampli intégré TP 106 VR+ (3950 €) - sur les enceintes Neilos (7000 €) de Pascal Louvet, toujours très en forme, et qui n'hésitait pas à enlever le haut et le bas (je veux parler des caches haut-parleur, afin de montrer aux curieux de quoi ses enceintes sont faites).

Beaucoup de plénitude sonore, notamment sur du 33 tr lu grâce au très souple pré-préampli phono TP 300 VR de la gamme.

Le tout était logé au creux d’une très belle architecture d’intérieur réalisée pour Sonneclair par Jean-Bernard Pouillard, également importateur des électroniques.

Un tuyau en forme de calembour : essayez d’acheter vos tubes chez Canor, car ces gens-là sont des cadors en matière de test de composants… Ci-contre leur interprétation du voltmètre de poche.

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Dans la série «nous sommes toutes petites mais nous faisons de la musique comme les grandes», il ne fallait bien sûr pas rater les minuscules enceintes B&W PM 1, dans une configuration pilotée par de roboratives électroniques Classé Audio.

Une démonstration qui manquait un peu d’enthousiasme, mais qui laissait néanmoins pressentir un potentiel inouï pour ces mini-monitors.

Ni, à quelques encablures de là, passer à côté des Leedh C, au concept révolutionnaire (voir l’entretien que nous avions réalisé il y a quelques mois avec Gilles Milot, leur concepteur) et à l’image inversement proportionnelle à la taille.

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Avec la platine Riffaud Héritage (120 kg toute sèche mais bien huilée) et son bras propriétaire simplement équipé d'une cellule Denon DL103, Yves Montand à l’Olympia (disque enregistré en 1981) forçait le respect des auditeurs.

Tout comme les étonnantes et très fines colonnes Tosca Aria 5 (ligne acoustique descendant jusqu’à 65 Hz), néanmoins soutenues par un beau caisson dont l'ampli est rejeté à l'extérieur de l’ébénisterie.

Ces enceintes qui s'effacent bien devant la musique - mais peut être un peu moins dans le budget ménager puisqu'il faudra tout de même compter 13600 € dans cette configuration triphonique – étaient ici drivées par une électronique intégrée Tosca AT 5 (7950 €) utilisant la fameuse lampe 300 B, délivrant seulement 10 W sur charge résistive. Cher le Watt me direz-vous ? On a vu pire, et de plus cela suffit parfaitement lorsque le transducteur est de qualité et à haut rendement !

Comme à l’habitude chez Point Musiques, la marque française Métronome Technologie était présente avec le lecteur CD TA 3 (7500 €) et son convertisseur séparé CA 3 (7500 € également) qui complétaient la liste des sources.

Largeur et profondeur de la scène étaient au rendez-vous, sans oublier une bonne notion d'impact sur les percussions, et des voix que l'on pouvait parfois croire définies par un hp médium de technologie spatiale, alors qu’il s’agit de «simples» transducteurs large bande…

Un système qui s'écoute sensuellement, aussi bien à faible qu'à fort volume...

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Aux antipodes de la mezzanine, c’est à dire au 21^e étage, autre scoop du salon : plus de céramique chez Kharma (!), mais l’enceinte DB 9 (27000 €) et sa petite sœur la DB 7, de la nouvelle série Elégance, embarquent des haut parleurs propriétaires en carbone et un tweeter Berylium.

Une configuration ultime, drivée par les électroniques Ayre et une source Soulution CD/SACD de la série 5 (modèle 540).

Ultra-définition et matières soyeuses étaient bien au rendez-vous. L’oreille pouvait se promener dans chaque morceau reproduit avec une aisance déconcertante. On entendait tout !

Certes, c'est de la Haute Fidélité de très grande classe avec coffrets usinés dans la masse et enceintes laquées à la finition superlative, mais cela fait aussi beaucoup de musique et prodigue des sonorités d’une ductilité absolument incroyable.

Juste à côté, Sound & Colours avait installé un autre système, électroniques Soulution + nouvelles enceintes Magico, dont nous reparlerons sans doute...

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Les imposantes Kef modèle Blade marquent le 50 ème anniversaire de la marque : un nouveau fleuron futuriste, ici boosté par une batterie d’électroniques Mac Intosh.

Son évidemment très enveloppé, spectaculaire et pouvait-on constater, pléthorique (c'est à dire, il faut bien le reconnaître, avec de nombreuses résonances de salle dans le grave).

Démo plus quantitative que qualitative donc, avec cependant une absence bienvenue d'agressivité. Soulignons que ce n’est pas toujours le cas dans les salles d’écoute où l’on veut jouer à tout prix la carte «gros système = gros volume» et où le haut-medium/aigu vrille parfois les tympans.

Mais il conviendrait plutôt d'évoquer ici la sonorisation de haut de niveau plutôt que l’audiophilie respectueuse des finesses musicales. Cela dit, la formule high tech très lookée des Blade fait son effet et doit pouvoir s’épanouir différemment dans une installation peaufinée.

En tout cas, une salle qui ne désemplissait pas pendant les créneaux d’écoute, preuve que les (peut-être) derniers très beaux jours de l’année en région parisienne n’étaient pas parvenus à détourner les amateurs de leur passion pour la technique !

Tm + concert de présentation de saison - Samedi 1er octobre

2011-10-03T03:08:00.000-07:00

Toujours à la tête de l’ensemble tm+, en résidence permanente à la Maison de la musique de Nanterre, Laurent Cuniot proposait samedi dernier le traditionnel concert de présentation de saison. Une initiative qui lui permet notamment d’expliciter ses choix programmatiques et d’apporter un éclairage sur les temps forts de la saison.

Exercice mené pour partie en duo avec Dominique Laulané (ici à gauche), directeur artistique de l’institution nanterrienne, tant les liens sont grands cette années entre le programme de la maison et les dates de tm+, qui se développent autour de quelques dates charnières.

Mais il est remarquable qu’il y ait toujours une sorte de vertu didactique à un concert de tm+, car ni les œuvres ni les compositeurs n'y sont jamais choisis au hasard. Laurent Cuniot a systématiquement à cœur d’amener le public au concert et de solliciter sa sensibilité. En présentant des œuvres majeures des répertoires contemporain et pré-contemporain, en mettant les courants musicaux en perspective, en prolongeant le travail de collaboration fine et fidèle avec les compositeurs d’aujourd’hui. Et d’ailleurs, cette année encore, beaucoup de compositeurs amis et dont les œuvres sont régulièrement créées par tm+ étaient présents à ce concert d'introduction.

Le 20e siècle constitue l’apogée de l’exploration de la matière sonore par des compositeurs qui se sont montrés de plus en plus aventureux. À l'instar de ce qui advenait dans les autres domaines artistiques, les créateurs délaissaient progressivement le sujet classique pour lui préférer le travail des matières sonores et des couleurs tonales. C’est ainsi que le timbre, qui constitue en lui-même un territoire d’expérimentations ouvert dès le XIXe siècle par les compositeurs français et ceux de l’école de Vienne, sera l’enjeu en janvier prochain d’un double concert baptisé Instants polychromes, précédé d’une conférence donnée par L.Cuniot lui-même.

On retrouvera aussi dans cette programmation 2011-2012 la reprise de l’Histoire du soldat d’Igor Stravinski, dans la superbe mise en scène de Jean-Christophe Saïs (le 8 octobre au 104, puis à Metz en janvier, et enfin à l’Athénée/Louis Jouvet de Paris en juin prochain), que nous avions découvert la saison dernière.

Le concert de Force de frappe du 26 novembre associera les figures séminales de Bartok et Ligeti au britannique Simon Holt (peu connu en France mais très respecté outre-Manche) et à l’allemand York Höller. Ce programme percussif sera un prélude à la soirée chorégraphique exceptionnelle consacrée à Anne Theresa De Keersmaeker par la Maison de la musique.

Mais tm+ se déplace également, que ce soit au 104 (samedi 9 octobre), dans le jardin Albert Kahn de Boulogne-Billancourt (samedi 15 et 29 octobre), au domaine de Sceaux (samedi 3 décembre), à l’Opéra-Théâtre de Metz (en janvier) ou encore à l’Abbaye de Bourgueuil (en juillet). Quand au concert A cors et à cris du 9 février, il se déroulera rien moins qu’à l’Espace de projection de l’Ircam et proposera des créations mondiales d’œuvres de Florence Baschet et de Gilbert Amy.

Tm+ s’associe également au Concerts de paliers à Nanterre (cette initiative très originale commence à être relayée par la radio et la télévision), où des musiciens investissent la cage d’escalier d’un immeuble pour amener la musique au plus près du public.

Ce samedi, en un beau préambule richement illustré, nous écoutions tour à tour les Contrastes de Bartok, Cloches à travers les feuilles de Debussy et son écho Feuilles à travers les cloches composé par Tristan Murail en 1998 et pour finir, Shékéré de Javier Alvarez. Nous y retrouvions le percussionniste virtuose Florent Jodelet, dans un étrange corps à corps acrobatique avec le shékéré, cet instrument sud-américain peu connu en Europe, accompagné des ses propres échos…

Une manière de rappeler que le thème du geste est aussi un des dénominateurs communs du programme de cette saison…

Festival Agora 2011

2011-06-01T12:36:00.000-07:00

Du 8 au 18 juin 2011, le festival de l’Ircam continue de s’étendre dans la ville

Autrefois presque «réservé» à une poignée d’amateurs qui se retrouvaient en catimini début juin dans les coursives souterraines de l’Ircam, le festival de création contemporaine Agora sort depuis quelques années de sa réserve, en investissant des lieux consacrés ou nouvellement acquis à la diffusion artistique.

Ce sera particulièrement le cas cette année, puisque certains événements d’Agora se tiendront à la Gaîté Lyrique, au Grand Palais, à l’Opéra Comique, au 104, à la Cité de la Musique, à l’Eglise Saint-Eustache ou encore au Fresnoy-Studio de Tourcoing. Charité bien ordonnée, trois des premiers concerts de ce festival auront lieu à l’Espace de Projection de l’Ircam. Cette large empreinte est à l’image de l’étendue des collaborations que les compositeurs en résidence ou sélectionnés par l’institut développent désormais avec des artistes d’autres disciplines.

Au titre de ces partenariats, il faut citer en premier lieu l’installation Tripwire, oeuvre commune à la compositrice américaine Ashley Fure et au vidéaste français Jean-Michel Albert, la chorégraphie Les temps tiraillés de Myriam Gourfink, qui se déploiera sur une musique de Georg Friedrich Haas et dans le cadre inédit de l’installation Leviathan d’Anish Kapoor au Grand Palais, ou encore l’installation ludique Urban Musical Game qui occupera l’espace de la place Igor-Stravinsky du 17 au 26 juin.

Une thématique forte sous-tend le programme d’Agora 2011 et donnera lieu à une série de rencontres et conférences sur le thème La créativité en musique et en mathématiques, sujet fondamental s’il en est. Certaines d’entre elles seront données dans le cadre de l’exposition Mathématique et Arts du Palais de la Découverte. Y participeront des personnalités telles que Alain Badiou, Pierre Boulez, Alain Connes, Jean-Marc Levy-Leblond, Jean-Claude Risset… Et c’est la figure de Karlheinz Stockhausen qui a été choisie pour illustrer musicalement ce thème, dans le cadre de plusieurs concerts.

Programme à consulter sur le site de l’Ircam.

IRCAM
1 place Igor-Stravinsky
75004 PARIS

Goldmund et Focal au Bristol

2011-04-25T09:30:00.000-07:00

Il faudrait être fou pour dépenser moins !

Je ne sais pas si les marques présentes ce week-end pascal à l’hôtel Bristol apprécieront ma créativité en matière de slogan publicitaire… Toujours est-il que les systèmes déployés par Jefferson Hifi Vidéo dans l’immense salon Saint-Honoré atteignaient des sommets en termes de prix.

Les électroniques et enceintes Goldmund, ainsi que les enceintes Focal de la gamme Utopia (3e du nom), font en effet partie du gotha de l’électro-acoustique domestique. D’une manière générale, leurs produits embarquent des technologies avancées, font appel à des composants originaux et triés sur le volet, et jouissent d’une finition exemplaire. Une fabrication et une finition en tous points comparables à celle d’une Jaguar ou d’une montre Jaeger-Lecoultre. Mais tout comme il n’est pas absolument indispensable de posséder l’une et l’autre pour pouvoir se déplacer et avoir l’heure, nombreux sont les mélomanes et audiophiles qui s’interrogent sur les vertus réelles de tels matériels.

Car il existe évidemment de très nombreux systèmes audio qui, sans atteindre les sommets de prix observés ici, fonctionnent déjà très correctement ! Dieu merci… Cela étant, il appartient à chacun, en fonction de ses moyens et de ses priorités personnelles, de ce qu’il ressent à l’écoute d’un système, de définir si un niveau de prix donné est parfaitement justifié ou absolument déraisonnable. Pour ma part, mon objectif dans ces colonnes est de décrire des appareils ou des systèmes remarquables, susceptibles de me donner le frisson.

Les deux configurations démontrées ce week-end par Jefferson font clairement partie de ce groupe. Elles représentent une forme d’absolu technologique et musical dont les qualités de restitution sont indéniablement superlatives et assez uniques. Ce dont je m’efforce de donner un aperçu à travers un commentaire écrit. Mais il appartient à chaque personne intéressée de se faire une opinion par elle-même si le jeu en vaut la chandelle en allant écouter ces matériels là où ils sont présentés. Et l’on acquière évidement pas de telles configurations, ni même des éléments beaucoup moins coûteux, sur la base de la lecture d’articles, quelque élogieux qu’ils puissent être.

L’enceinte Focal Stella Utopia

Petite soeur directe de la Grande Utopia, la Stella (70 000 € la paire) en possède presque tous les atouts technologiques, dans une silhouette néanmoins plus compacte mais affichant tout de même un poids de 165 kg pièce !

Elle utilise donc le fameux tweeter à dôme inversé au beryllium développé par Focal, qui bénéficie d’un volume de charge quasi-infini et dépourvu de turbulence, grâce à l’optimisation de la forme de l’aimant (un cylindre profilé). Cet aimant Neodyme développe un champ magnétique de 2,15 T. Le rendement de ce tweeter atteint 95 dB. Sa bande passante s’étend de 1 kHz à 40 kHz.

La membrane des haut-parleurs médium et grave, dite «W», est constituée d’une très fine couche de mousse prise en sandwich entre deux voiles de fibre de verre. Cette conception propre à Focal concilie les qualités antagonistes de rigidité, de légèreté maximum, amortissement interne élevé. La forme de la couronne d’aimants du médium, qui répond au doux nom de «Flower Power» est également destinée à optimiser le flux magnétique qu’elle génère.

L’un des morceaux de bravoure technologique de cette enceinte est son boomer de 33 cm de diamètre à excitation magnétique. Ici, pas d’aimant permanent comme dans l’immense majorité des haut-parleurs électrodynamiques.

Le champ magnétique constant dans lequel doit baigner la bobine mobile est crée par un électro-aimant alimenté en courant continu par un boîtier séparé. Cette approche assez rare permet elle aussi une optimisation du rendement de ce haut-parleur, mais également d’ajuster le niveau relatif de cette voie indépendamment des autres. Il permet d’atteindre les 18 Hz à - 6 dB.

Enfin le filtrage OPC+ (pour «Optimised Phase Crossover») ne fait appel qu’à des composants audiophiles mais sélectionnés à l’écoute. Il permet le réglage fin du niveau de chaque voie ainsi que la biamplification de l’enceinte. Focal insiste sur le fait qu’il n’est pas destiné à corriger d’éventuels défauts des transducteurs, mais seulement à répartir les fréquences. On verra que malgré l’excellente qualité intrinsèque de ce filtre et des haut-parleurs de la Stella Utopia, le système d’optimisation Leonardo développé par Goldmund apporte un surcroît d’homogénéité à la réponse de l’enceinte.

Goldmund

Difficile d’en savoir autant à propos des produits du constructeur suisse. En tous cas, principes de conception et détails de circuiterie restent jalousement gardés. On sait quand même que, mise à part son expérience de l’audio analogique et numérique, Goldmund attache une importance toute particulière à la sélection des composants, au nombre et au dimensionnement des alimentations, à l’intégrité mécanique des boîtiers. Ce qui a conduit la marque à développer une solution de mise à la masse mécanique des coffrets qui élimine les vibrations en les écoulant vers le support. A propos du lecteur Eidos 20 CD (12 000 €), on sait aussi que le concepteur a porté une attention particulière à ce qui se passe aux vitesses de rotation les plus lentes (c’est à dire en fin de lecture d’un disque, là encore où les vibrations générées par la mécanique sont les plus dommageables) et au contrôle des erreurs de lecture du bloc laser.

Un des points forts du préampli Mimesis 16 (25 000 €) est sa conception hybride analogique/numérique qui incorpore nativement le système de correction de caractéristiques d’enceintes baptisé Léonardo.
Ce système consiste en un traitement numérique du signal visant à corriger les défauts de rayonnement présentés par une enceinte donnée. Dès à présent, Goldmund développe des partenariats avec les fabricants d’enceintes Focal bien sûr, mais aussi Vivid et Sonus Faber.
Le facteur d’enceintes - qui doit accepter l’idée que son enceinte et le filtrage passif qu’elle incorpore peuvent encore être optimisés en dépit du soin qui a été apporté à leur mise au point - doit fournir un fichier détaillé correspondant à la mesure du rayonnement de l’enceinte sous de nombreux angles d’incidence et à de multiples points dans le spectre audio et au delà. Il ne s’agit d’ailleurs pas pour Goldmund de tenter d’imposer à un modèle d’enceinte des caractéristiques qu’il n’a pas. Mais plutôt de compenser, par l’entremise d’un filtrage numérique très rigoureux, les défauts de linéarité d’amplitude, de phase et de temps de propagation inévitablement introduits par le filtre passif, aussi élaboré soit-il.

On peut ainsi mettre en oeuvre un système de filtrage actif (dans le domaine numérique) remplaçant purement et simplement le filtre passif contenu dans une enceinte. Le Mimesis 16 peut le faire sur 10 voies distinctes, et gère un total de 16 voies de sorties permettant aussi la mise en oeuvre d’une configuration audio multicanal et multivoie. Chez Goldmund, l’étape d’optimisation suivante consiste à utiliser le logiciel Proteus, qui permet d’introduire les caractéristiques fines de la pièce d’écoute au nombre des paramètres à corriger pour une optimisation complète du système enceintes + salle.

Enfin, les blocs de puissance Telos 350 (21 000 € la pièce) sont une des déclinaisons de la série éponyme qui compte désormais de nombreux modèles. Dérivé du prestigieux modèle 5000, ce nouveau bloc de puissance présente à la fois une entrée analogique au niveau ligne et une entrée spdif munie d’un convertisseur numérique/analogique Alize de 6e génération.
Il peut délivrer 500 W de puissance instantannée sur 8 Ohms. La bande passante des étages d’amplification (purement analogique) s’étend de 0 à 3 MHz à +/- 3 dB, et affiche en conséquence un temps de montée inférieur à 300 ns. Selon le constructeur, la distorsion (THD) reste inférieure à 0,05 %, avec toutefois un mode de mesure plutôt favorable (charge à haute impédance, volume moyen). Si elles ne sont pas en elles-mêmes garantes de musicalité, ces valeurs sidérales (et sidérantes) sont le reflet du haut degré d’ingénierie et d’expérience développés par la marque suisse.

Passer à l’écoute

Goldmund et Focal au Bristol (suite)

2011-04-25T04:23:00.001-07:00

L’écoute

Comme j’ai déjà eu l’occasion de l’écrire par le passé, les produits Goldmund parviennent en général à concilier des critères de restitution sonore pratiquement antagonistes : sensation d’enveloppement complet et de grande douceur d’une part, précision et impact d’autre part.

Associés aux enceintes Focal Stella (ici bi-amplifiées passivement), le préampli Mimesis 16 et les quatre blocs d’amplification mono Telos 350 qui l’accompagnent présentent une bande passante d’une largeur exceptionnelle. L’image stéréophonique est généreusement déployée et reste appréciable même lorsque l’auditeur s’écarte notablement du sweet spot. La consistance et la vraisemblance des sources sonores sont en tous points impressionnantes. Le système semble totalement dépourvu de distorsion, et comme toujours en pareil cas, les flux musicaux sont présentés de manière complètement posée. L’écoute à haut niveau sonore ne traduit aucune crispation et n’empêche pas de pouvoir converser avec son voisin. L’exact opposée d’une restitution agressive...

A la première écoute, tous les attribut du très grand son sont donc réunis. Mais cette première constatation effectuée, il faut rapidement écouter des voix : leur restitution est, de manière confondante, à la fois charnue et quasiment dépourvue de caractère électronique. Ceci est un test à la fois facile et décisif. D’une part, notre oreille est morphologiquement plus adaptée à l’écoute de la voix humaine qu’à quoi que ce soit d’autre, d’autre part nous passons nos journées à communiquer verbalement. Que nous en soyons conscients ou pas, nous sommes tous capables de détecter très finement le caractère naturel ou artificiel d’une voix, qu’elle soit connue ou inconnue !

Ajoutons pour la petite histoire que nous écoutons tout simplement un CD gravé (contenant un programme compilé par Gérard Chrétien de Focal) et non un pressage CD audiophile, un SACD ou un fichier à haute résolution… Il serait donc possible d’obtenir d’une bête copie de CD un son franchement humain ? Oui, avec le lecteur Eidos CD 20 en tout cas, ça l’est !

Mais retour à des programmes musicaux plus complexes. Sur un des concertos pour piano de Chopin, et en dépit du système de climatisation un peu bruyant qui équipe l’immense salon, les fins de notes sont bien là et confèrent à l’extrait écouté un legato magnifique et une rare souplesse. De manière évidente, nous sommes ici aux antipodes d’une restitution exacerbée et tonitruante, qui peut par exemple être le fait de systèmes à très haut rendement. Ces derniers ont d’ailleurs leurs qualités, et leurs adeptes. Ici, rien à voir. Mais il est possible que cette manière d’infinie délicatesse ne soit pas du goût de tout le monde, tant il est vrai que même la musique vivante peut présenter des aspérités, des marques d’agressivité - qui n’ont absolument pas cours ici.

Et nous retombons là sur un des questionnements fondamentaux de l’enregistrement et de la reproduction du son. Dans la réalisation d’une prise de son, dans la mise au point d’un appareil ou d’une configuration, faut-il toujours viser la plus grande transparence possible au risque de crisper, ou plutôt privilégier le confort d’écoute notamment sur le long terme ? Si elle est appliquée de manière jusqu’auboutiste, et bien qu’elle soit systématiquement revendiquée par les constructeurs de matériel, l’option de transparence absolue risque fort de n’emporter les suffrages que dans le cadre d’écoutes à relativement court terme. Et encore ! Il n’est pas certain que nous soyons capables de tolérer d’un système audio domestique ce que nous acceptons, souvent sans nous en rendre compte, lorsque nous sommes au concert, qu’il soit acoustique ou amplifié, qu’il s’agisse de musique de chambre ou de heavy metal. D’un autre côté, privilégier à tout prix le confort d’écoute en gommant toute aspérité du message musical conduira immanquablement à une restitution lénifiante.

On pourrait dire que les sources, préamplis et amplis Goldmund parviennent à un savant équilibre entre ces deux approches contradictoires, mais avec tout de même une nette tendance à préserver le plaisir d’écoute, heure après heure, jour après jour… et probablement année après année. Pour employer une autre comparaison avec l’automobile (elles sont courantes en haute-fidélité), un tel système est probablement plus proche du caractère puissant et feutré présenté par une Bentley que de la fulgurante nervosité typique d’une Ferrari. J’écris d’ailleurs probablement, car j’avoue n’être jamais monté ni dans l’une ni dans l’autre voiture ! Mais je pense que l’image est assez explicite… Toujours est-il que l’on ressent à l’écoute de ce système une impression de totale aisance, d’aération extrême tout à fait déconcertante. Le combo Goldmund établit donc une forme de quadrature du cercle en conciliant aspect spectaculaire et absence d’esbrouffe, contrôle exemplaire des membranes et liberté d’expression peu commune.

Leonardo en action

Une partie du bénéfice en revient au système Leonardo de correction des voies d’enceintes. Sur plusieurs morceaux, nous essayons l’écoute sans correction puis avec. Tout d’abord sur la superbe reprise de «Yesterday» due à la regrettée Shirley Horn. Certes, la première version sans correction est déjà d’une très haut niveau de musicalité. On est même dubitatif quant au fait de pouvoir obtenir sensiblement mieux de ce même système.

Le gain apporté par le système de correction se fait d’abord ressentir sur le critère de la précision : meilleure localisation et ponctualité de la chanteuse, attaques du piano plus précises. La consistance du message est encore améliorée, le piano a plus de corps et justesse. Mais de manière sans doute plus surprenante, le chant est transcrit de manière sensiblement plus expressive avec des inflexions mieux marquées. Le moindre chuchotement de la chanteuse devient facilement perceptible...

Même effet sur «Mistral gagnant» de Renaud, un titre très apprécié de Jefferson Torno, physiquement aux commandes de ce système sans télécommande (je plaisante, mais il faut bien changer le CD de temps à autre !).

Le titre «Alleluïa» version Jeff Buckley bénéficie quant à lui, avec l’aide du Leonardo, d’un son de guitare bien plein, et d’une transparence sur la voix qui révèle aussi les limites de cette prise de son. Mais le morceau est restitué avec une très rare humanité et un magnifique sentiment de présence.

C’est ensuite un monumental et quasi analogique «Take Five» qui lui succède, comme au bon vieux temps des démonstrations hifi lorsque le CD n’existait pas encore, Leonardo toujours actif. Bien que le système Proteus de correction de salle ne soit pas activé, l’ampleur du message, sa ductilité, la franchise et le naturel des attaques restent intacts même en des positions d’écoute très éloignées du système, ou très décentrées par rapport à l’axe des enceintes. Tout comme si de véritables musiciens étaient présents dans la salle ! Or on ressent d’ordinaire une perte de consistance et de crédibilité du message dès que l’on éloigne de plus de quelques mètres d’une paire d’enceintes. Il semble donc bien que le recalage notamment temporel des informations effectué par le dispositif Leonardo soit efficace.

L’ensemble Metis

Face à ce système presque gigantesque, on pouvait écouter la mini-chaîne Metis… Mini par la taille, certes, pas forcément par le prix ! Toujours est-il que l’on peut parler de prouesse car ampleur subjective et musicalité transcendent sensiblement l’encombrement très réduit des différents éléments qui la compose : lecteur Metis Player (7000 €) en alternance avec un mini-ordinateur utilisé en source numérique, préampli numérique Metis 10 (8000 €) et enceintes compactes Metis Speaker à deux voies (11 000 € la paire) placées sur des pieds Music Tools (900 €) parfaitement assortis. Câblage Absolue Créations Digiteam (250 €).

On retrouve ici la patte de velours typique de la marque, combinée à une très belle image sonore, pourvu cette fois que l’on ne quitte pas le sweet spot central. L’ensemble est également capable d’un sens du swing étonnant qui en ferait presque oublier le manque de fondation dans l’extrême grave. Le fait que les Metis Speaker soient des enceintes numériques actives, c’est à dire munies d’un étage de décodage spdif suivi d’un filtrage numérique, d’une conversion numérique/analogique et de deux modules d’amplification Telos 150 alimentant chacun un haut-parleur n’est pas pour rien dans le prix élevé de ces petits bijoux.

J’avoue cependant être moins convaincu par cette approche, technologiquement très pointue, mais d’un coût assez prohibitif. Car on pourra trouver sans trop d’efforts de très beaux mini-systèmes capables de de dispenser un plaisir d’écoute au moins égal pour un prix bien moindre. Cela étant, les inconditionnels de la marque y retrouveront l’esthétique sonore, visuelle et l’incomparable finition typiques de Goldmund.

Pina, de Wim Wenders

2011-04-18T03:41:00.000-07:00

Alors que l’on commence à lire ici et là des commentaires ou analyses – pas tous dénués de fondement – qui remettent en cause la 3D au cinéma, notre très beau mois d’avril s’est ouvert avec l’arrivée en salles de «Pina», film en relief réalisé par Wim Wenders.

A travers quatre longs extraits de chorégraphies, des témoignages sobres des danseurs et de quelques images d’archives (planes et le plus souvent en noir et blanc, mais astucieusement insérées dans la scénographie tridimensionnelle), le film s’emploie à rendre hommage à la chorégraphe allemande Pina Bausch, disparue en juin 2009, et qui aura été à la tête du Tanztheater Wuppertal pendant plus de trente ans.
Mais aussi à offrir une perspective tout à fait inédite sur quelques œuvres choisies, exécutées sur une scène ou en décors «naturels» (sous-bois, métro suspendu et rues de Wuppertal, sites industriels ou édifices ultramodernes).

La réalisation 3D, elle-même magistralement chorégraphiée, alterne points de vue distanciés mais profonds et angles singulièrement immersifs, qui donnent à ressentir les chorégraphies comme jamais spectateur n’a pu les appréhender.
Et c’est aussi une des forces de ce film captivant que de communiquer l’envie de danser tant il s’approche au plus près des danseurs, de leurs expressions, de leurs motivations. Il consacre aussi vingt ans d’amitié et d’admiration réciproques entre la chorégraphe et le réalisateur. Enchaîné comme une variation sur le thème des saisons, il s’ouvre sur de larges extraits d’un magnifique et poignant Sacre du printemps.

Même si les confidences des danseurs, qui un à un se racontent brièvement, restent parfois anecdotiques et presque systématiquement admiratives, on retiendra de leurs propos trois traits majeurs de leur relation à Pina : la quasi-fusion des identités des danseurs et de leur chorégraphe, l’injonction qui leur était faite de dépasser sans cesse leurs limites, la possibilité qui leur était donnée de le faire en toute liberté, en allant puiser au fond d’eux-mêmes.

Dans le début du film, Pina Bausch dit en substance que la danse définit un langage au delà des mots. Certes, cet aphorisme pourrait être soutenu par tout chorégraphe, sculpteur, photographe ou peintre. Mais il s’applique rarement mieux qu’aux œuvres expressives et radicales du Tanztheater de Wuppertal, tellement chargées de sens.

Nous tenons donc «Pina» pour un film essentiel, qui s’adresse à chacun d’entre nous – amateur de danse contemporaine ou non.

Un film qui ne dit presque rien mais qui raconte tout. Tout de la fragilité de l'être. Des identités bafouées, de la solitude, mais aussi de la puissance des rêves qui met les corps en mouvement. Un film qui montre comme jamais une œuvre puissante, dramatique, parfois traversée d’un humour acide et désespéré. Qui révèle l’absurdité du poids des conventions, dénonce à grands gestes pas forcément silencieux la dépersonnalisation de l’individu face aux codes imposés par la société.

Un film également nourri par une bande son forte et variée, qui fait résonner Stravinsky, Mahler et Purcell aux côtés de Caetano Veloso et des créations électro-planantes du guitariste allemand Thomas Hanreich ou de Jun Miyake.

Malheureusement, ce film n’est projeté en France que dans un nombre très limité de salles, dans des cinémas «indépendants» et dans le réseau Mk2. Un dossier de presse très complet (mais qui ne mentionne pas les détails de la bande son) peut être consulté sur le site des Films du Losange.

Voir la bande annonce (en 2D !)

Pina
Un film de Wim Wenders pour Pina Bausch
Durée : 1 h 43
Production : Neue Road Movies

Crédits photographiques : Donata Wenders

Rencontres annuelles Goldmund

2011-04-04T04:27:00.000-07:00

Rencontres au sommet de l’audio

Jefferson Audio-Vidéo convie les amateurs de beaux matériels à l’Hôtel Bristol (Paris VIIIe), les 23 et 24 avril prochains. A l’écoute, de nouveaux produits Goldmund bien sûr, mais aussi des enceintes de marque Focal et Raidho.

De très beaux moments musicaux et quelques annonces importantes sont attendus du constructeur suisse, qui revend désormais sa technologie de correction acoustique Leonardo à quelques unes des meilleures marques d’enceintes du marché mondial...

Même s’il s’agit de produits très haut de gamme qui ne sont pas forcément à la portée de toutes les bourses, on appréciera de retrouver réunis quelques uns de joyaux de l’audio-vidéo domestiques et de se laisser aller au plaisir de l’écoute.

Tout comme on aime admirer, à défaut de pouvoir se les offrir, les très belles voitures ou superbes montres que l’on peut d’ailleurs assez facilement dénicher dans ce même quartier !

C’est donc une incursion dans les territoires du luxe absolu que nous offrent Goldmund et son dynamique distributeur français. Un événement à ne pas rater...

Fidelio HD Master cards

2011-04-01T07:32:00.000-07:00

Un nouveau support matériel pour les enregistrements musicaux !

Fidelio est un label canadien consacré à la musique acoustique, dans les registres classique, jazz ou d’inspiration World. Nous avions déjà eu l’occasion de chroniquer quelques beaux enregistrements de ce label, dont le fondateur René Laflamme est à la fois ingénieur du son, mélomane et audiophile. Les conditions d’enregistrement et les matériels sont scrupuleusement choisis par les équipes de Fidelio (et sont en général détaillés sur les pochettes des albums). La philosophie de cet éditeur tend vers un certain minimalisme : utilisation d’un minimum de micros, d’enregistreurs numériques au dessus de tout soupçon (DCS, Nagra), post-production réduite à l’essentiel. Pour aller jusqu’au bout du purisme, Fidelio a décidé il y a quelques années de fabriquer ses propres micros.

A l’occasion du salon Son & Image de Montréal, Fidelio introduit un nouveau support pour les enregistrements HD. Il s’agit de cartes USB Master Flash de 4 GO, contenant un master 24bit/96kHz ou 24bit/176kHz, en format de fichier original sans altération (c’est à dire sans up ou downsampling). Elles contiennent aussi la couverture de l’album en format Jpeg, le livret, ainsi qu’un fichier XML comportant les noms des morceaux, un code ISRC et un catalogue Fidelio en PDF. Elles sont numérotées et individuellement signées, et se présentent dans un habit d’aluminium brossé de 2 mm d’épaisseur au format carte de crédit.

Fidelio insiste sur le fait qu’en utilisant ce support, on ne trouve plus aucun élément mobile sur tout le trajet suivi par le signal, depuis sa captation jusqu’à sa lecture, grâce notamment à l’utilisation d’enregistreurs munis de disques durs SSD (Solid State Drive) désormais dépourvus de parties mécaniques. René Laflamme met en avant la supériorité du support HD matériel lu en direct par rapport au téléchargement de musique via internet, qui est forcément stocké quelque part sur un disque dur.

Signal sur bruit a pu s’entretenir avec le directeur de Fidelio à l’occasion de la mise sur le marché de ces supports inédits…

Signal sur bruit : Bonjour René… Votre label Fidelio a développé ses propres micros il y a quelques années. Quelle en est la raison ? Devant le choix offert sur le marché, ne pouviez-vous pas trouver des modèles correspondant à toutes vos attentes ?

René Laflamme : Bonjour Christian. Vous savez, nous considérons nos micros comme uniques… Ils comportent entre autres choses un circuit à tube sans transformateur de sortie. Ils sont alimentés en 125 V grâce à des packs de batteries, et nous obtenons avec nos micros un des son les plus énergiques qui soit. Mais nous utilisons également des modèles de chez Schoeps, des Neumann U-67, ou encore des B&K (DPA), pour pouvoir couvrir toutes les situations.

SSB : Quelles sont les caractéristiques principales de ces micros constituant selon vous un avantage majeur ?

RL : Tout simplement leur formidable présence, que je ne retouve pas avec les autres microphones.

SSB : Par qui sont fabriqués ces micros ?

RL : Ils sont entièrement fabriqués à la main chez Fidelio.

SSB : Revenons à la récente sortie de vos cartes HD Master Flash. Pourquoi privilégiez-vous cette formule au téléchargement de musique via internet ?

RL : Nous proposons six albums en téléchagement sur notre site et jusqu’à présent, nous vendions aussi quelques SACD et une douzaine d’enregistrements en format HD contenus sur DVD-Data. Mais aucun de ces formats ne me donnait le son original du fichier lu en direct avec mon éditeur Pyramix. Les nouvelles fonctionnalités de la version 7 de Pyramix (Digital Pubishing), combinées avec le fait de copier directement le master enregistré sur disque SSD sur une carte USB Master Flash, permettent de délivrer des aigus plus purs et une meilleure image stéréophonique que le DVD ou le téléchargement…

SSB : S'il on dispose d'un décodeur N/A ou d’un préampli numérique avec entrée USB, la carte est-elle reconnue directement ?

RL : La carte est compatible avec MAC ou PC en Wave, et avec tous les serveurs. Tous les logiciels du marché peuvent lire la carte. Celle-ci est reconnue par les ordinateurs ou les convertisseurs munis d’une entrée USB en tant que Flash Disk, en trois secondes après le branchement. Toutes les plages sont déjà là avec la pochette et le livret en PDF, en plus d'un catalogue Fidelio. En ce moment, au salon Son & Image, nous démontrons nos premières HD Master Flash et la réaction du public est très favorable ! Nous utilisons un serveur Naim Audio HDX, un up-sampler DCS (le 96kHz/24bit est suréchantillonné en DSD) pour être ensuite converti par le DAC DCS Scarlatti. Les sources sont suivies du préamplificateur Ref 5 et des amplis Ref 210 d’Audio Research, qui alimentent des enceintes Sonus Faber Stradivari… Toutes les personnes qui s’arrêtent sur le stand constatent la différence de qualité entre les cartes Master Flash et le disque dur. Le son affiche une pureté et une douceur sans comparaison avec n’importe quel autre format.

SSB : Quel est le prix de vente des enregistrements proposés sous cette forme ?

RL : Selon les distributeurs, il est d’environ $45 US (de l’ordre de 30 € au cours actuel du Dollar n.d.l.r).

SSB : Pourra-t-on les commander sur le site, notamment depuis l'étranger, ou ne seront-elles disponibles que via un réseau de revendeurs ?

RL : On trouve déjà dix albums disponibles, que l’on peut acheter sur le site Fideliomusique.com, même depuis l’étranger avec un paiement par carte Visa ou Mastercard.

SSB : Merci René et longue vie au label Fidelio !

RL : Merci et toutes mes amitiés aux mélomanes français, qui sont les bienvenus à Montréal !

SVS Smyth Realiser A8

2011-03-31T03:48:00.000-07:00

Origine : Etats-Unis - Prix : 2990 € - Importé par AV-in

La téléportation

à portée de casque !

Nous avions pu approcher le Smyth Realiser A8 lors du dernier salon HiFi Home Cinéma d’octobre 2010, où son importateur Mr Gérin le présentait sur un minuscule stand… Evidement, puisqu’avec cette petite machine quasiment magique, on peut faire tenir un énorme système 7.1 dans un simple casque de balladeur… ou presque !

Nous avons retrouvé cet étonnant appareil sans pareil lors d’une présentation technique (et musicale !) réalisée dans les locaux de l’AFDERS. Puis Signal sur bruit s’est rendu chez l’importateur AV-in, pour un essai personnalisé de la chose… Compte rendu.

A quoi sert le Smyth Realiser A8 ?

Selon l’expression de Gilles Gérin, le Smyth Realiser A8 est un «virtualiseur» ou encore un «audio-copieur» de salle qui permet de restituer, sur un casque stéréophonique, un dispositif multicanal complet (comprenant jusqu’à 8 sources sonores) ainsi que l’acoustique de la salle qui l’héberge.

Première utilisation possible : disposer dans le cadre d’une écoute au casque de la restitution sonore d’une installation audio-vidéo même complexe. L’utilisateur peut alors profiter des qualités de son propre système audio (ou de ceux qu’il a «copiés») à n’importe quelle heure du jour et de la nuit, possiblement dans n’importe quelle pièce de son domicile, sans déranger son entourage. Car avec ce dispositif, la notion de «sweet spot» disparaît totalement. L’auditeur retrouve donc une liberté de mouvement (seulement limitée par la longueur du câble du casque) sans rien perdre des qualités du système d’origine.

Deuxième possibilité : simuler en situation de mobilité quasiment n’importe quelle installation sonore et n’importe quelle acoustique de salle, pourvu que l’on y ait eu accès une fois et que l’on ait pu en personne y calibrer l’appareil. En personne, car nous le verrons, c’est la prise en compte de la morphologie précise de la paire d’oreilles de son propriétaire qui fait toute l’efficacité du dispositif ! Cette deuxième possibilité est susceptible d’intéresser les ingénieurs du son, puisqu’elle permet d’avoir une très bonne idée de ce que l’on enregistre, contrôle ou mixe, comme s’il on était face à un système de référence existant, et ce n’importe où dans le monde si l’on s’est déplacé avec l’appareil (qui fort heureusement est très compact). La notion de studio virtuel prend alors tout son sens, on peut pratiquement parler de téléportation dans une cabine de monitoring ou de mastering.

D’où vient-il ?

Cette invention américaine est due à l’ingéniosité des frères Myke et Steve Smyth, tous deux docteurs en physique, qui furent aussi les concepteurs de l’algorithme «Coherent Acoustics» développé par DTS. Elle a nécessité rien moins que cinq ans de développement et met en oeuvre de puissants algorithmes de traitement du signal. Cet appareil contient donc une électronique plutôt sophistiquée, dotée pour l’interface signal de convertisseurs analogique/numérique et numérique/analogique de course (des circuits Burr-Brown PCM 4204 et PCM 4104) travaillant sur 24 bits. Dans la chaîne de reproduction, l’appareil se positionne en effet entre les sorties analogiques d’un préamplificateur (ou directement d’un lecteur) et le casque (ou l’amplificateur spécifique du casque, si celui-ci le nécessite).

Le processeur utilisé est l’ADSP 21369 d’Analog Devices (fabricant qui comme son nom ne l’indique pas, produit aussi des circuits intégrés logiques). Il permet la calibration du système à partir d’une installation présentant jusqu’à 8 sources émissives, puis la restitution au casque avec un dispositif de suivi des mouvements de la tête par infrarouge. Ce suivi extrêmement précis et rapide (période de rafraîchissement : 5 ms) permet de stabiliser la scène sonore même lorsque l’on tourne la tête. Le système peut également mémoriser 4 configurations de salle et d’auditeur (en RAM), et 64 sur carte SD. Notons que cet appareil a obtenu un trophée au dernier SATIS, le salon professionnel des techniques audio-visuelles, en octobre 2010.

Un peu de théorie

Le principe technique repose sur la technique dite HRTF (pour Head Related Transfer Function), ou Fonction de transfert relative à la tête. Effectivement, notre tête, nos épaules, la géométrie (différente pour chaque individu) de nos pavillons d’oreille et de nos conduits auditifs, déterminent un filtrage complexe du champ sonore dans lequel nous sommes plongés, juste avant qu’il soit capté en deux points séparés de l’espace, par nos tympans. Et en dépit du fait que nous ne possédons que deux oreilles, nous percevons bien l’espace sonore qui nous entoure selon ses trois dimensions (largeur, profondeur, hauteur).

Nous devons cela à la forme si particulière de nos pavillons d’oreille, aux phénomènes de réflexion, diffraction et résonances qui s’y produisent. La discrimination haut/bas et avant/arrière est notamment due au fait qu’ils ne sont pas symétriques ni selon l’axe vertical, ni selon l’axe horizontal.

Cela étant, les mesures sur individu montrent que si la précision de localisation auditive selon un cône frontal correspondant peu ou prou à notre champ visuel est excellente (de l’ordre du degré), il nous est plus difficile de localiser avec précision des objets sonores positionnés derrière nous ou seulement très écartés de la direction de notre regard (erreur de 5 à 15 °).

Lors de l’écoute d’un message et d’un système stéréophonique, on profite des capacités de localisation gauche/droite, et dans une moindre mesure avant/arrière du système auditif humain. On reconstitue une image sonore qui se déploie dans le plan horizontal passant par nos oreilles, et qui est typiquement comprise dans le secteur défini par la position de l’auditeur et les deux enceintes. Rappelons au passage qu’une installation stéréophonique «idéale» positionne l’auditeur et les deux enceintes aux sommets d’un triangle équilatéral. Chaque sommet de ce triangle voit donc les deux autres sous une ouverture angulaire de 60 degrés.

Il manque donc quand même à la stéréophonie pas moins de 5 secteurs géométriques de 60° pour pouvoir réaliser une véritable scène sonore en deux dimensions ! Scène que parviennent plus ou moins à recréer les systèmes multicanaux, qui mettent en oeuvre des voies latérales (cas du 5.1) et arrières (7.1).

Et il suffirait de rajouter des canaux en hauteur ou en contrebas de la position de l’auditeur pour reproduire aussi des effets d’élévation : c’est la fameuse et presque délirante proposition d’un système 22.2 faite par Kimio Hamasaki de la NHK, lors du dernier Forum International du Son Multicanal, et qui positionne les enceintes selon un maillage spatial complètement enveloppant.

L’écoute stéréophonique traditionnelle au casque positionne quant à elle l’ensemble des sources sonores à l’intérieur du crâne, sur un axe passant par les deux oreilles. L’auditeur n’a donc pas de recul par rapport à la scène sonore, et sa profondeur n’est que difficilement perceptible.

Concentrons-nous maintenant, sur ce qui se passe à la surface de notre tympan, que nous soyons dans un environnement sonore naturel ou dans le champ produit par un système électro-acoustique. S’il on parvient à capter, au creux de l’oreille, les signaux complexes qui nous parviennent de sources ponctuelles situées à des endroits précis de l’espace et à les comparer avec les signaux initialement émis, on pourra alors recomposer la fonction de transfert globale du lieu d’écoute et de notre propre appareil auditif binaural. Ceci effectué, en transformant ensuite un son «naturel» en prenant en compte le filtrage réalisé par notre oreille externe et notre conduit auditif, on peut donner l’illusion à notre cerveau que ce son provient d’un point précis situé n’importe où dans l’espace, même si chaque oreillette du casque ne contient qu’un seul transducteur. C’est précisément ce que fait le Smyth Realiser.

La mise en oeuvre du système

Afin de reproduire de manière optimale, pour un auditeur donné, une véritable impression d’espace sonore, il convient donc de respecter le processus de calibration indiqué par le fabricant. L’auditeur insère une paire de minuscules microphones (fournis) dans l’amorce de son conduit auditif. Ces modèles sont de type omnidirectionnels et sont fabriqués par Knowles Acoustics, un des leader mondiaux du marché de la technologie micro-acoustique.

L’appareil, connecté aux entrées du préampli multicanal de l’installation, génère autant de salves de calibration qu’il y a d’enceintes acoustiques dans la pièce (caisson de grave y compris). Les microphones captent alors la réponse du système complet constitué du préampli, de l’ampli, des enceintes, de la salle, de la signature acoustique de l’oreille de l’auditeur, et ce voie par voie. Le Smyth Realiser A8 effectue alors ce que l’on nomme la déconvolution du signal issu des micros, c’est à dire l’extraction de la fonction de transfert de l’ensemble composé du système acoustique de la salle et de l’auditeur, et élabore des fichiers dits PRIR (pour «Person + Room Impulse Response») décrivant la réponse impulsionnelle du système. Un fichier PRIR associé à une salle et un utilisateur occupe 3 MOctet.

Pour garantir une restitution la plus fidèle possible, il convient également, dans un second temps, de calibrer l’ensemble constitué par le casque et les oreilles de l’auditeur, toujours avec les minis micros dans les oreilles. Il s’agit alors pour l’appareil de produire des fichiers nommés HPEQ (pour «HeadPhones EQualization»). Un fichier HPEQ propre à un modèle de casque et à son porteur représente 64 kOctet de données. Toutes ces opérations, qu’il faut évidemment mener dans une ambiance dénuée de pollution sonore afin de ne pas fausser les mesures, ne prennent qu’une poignée de minutes et sont entièrement automatisées. A noter que l’on peut aussi, grâce à un petit tour de passe-passe, émuler un système 7.1 de très haut niveau à partir de la seule capture d’un système 2.1 de qualité !

Le dispositif peut en théorie fonctionner avec n’importe quel casque. Il est évident néanmoins que meilleur est ce maillon, meilleure sera la «simulation» du système de reproduction. C’est ce qui permet au constructeur de parler de la recopie du système initial : non seulement de sa géométrie, mais aussi d’une bonne partie de ses qualités sonores intrinsèques (largeur de bande, dynamique, précision). Evidemment, la fidélité de cette recopie reste dépendante de la qualité des microphones fournis (qui sont remarquables pour leur taille), de la transparence des circuits du Realiser, et de la qualité du casque utilisé. Lors de l’écoute, le Smyth Realiser effectue l’opération dite de convolution, c’est à dire en quelque sorte l’habillage des signaux générés par un lecteur CD, DVD ou Blu-ray avec les indicateurs d’espace contenus dans les fichiers PRIR cités ci-dessus.

On connecte ensuite les entrées du Smyth Realiser aux sorties du préampli. L’écoute peut commencer.

A l’écoute

Lors de la session d’écoute réalisée à L’AFDERS, nous avions déjà pu constater l’efficacité du système, à partir d’une sélection de bandes-son de films et de programmes musicaux sur Blu-ray discs. Mais nous n’avions pu procéder à une phase de calibration personnalisée pour chaque auditeur. Du coup, l’écoute était réalisée avec des paramètres de salle et d’auditeur enregistrés en mémoire par Gilles Gérin, sur base du système 7.1. dont il dispose. Il fallait donc s’attendre à ce que l’illusion spatiale ne soit pas tout à fait complète.

Effectivement, autant la simulation des voies latérales et arrières était manifeste, autant l’on avait un peu de mal à percevoir les voies frontales comme véritablement placées à l’avant de l’auditeur. Un phénomène finalement assez compréhensible : comme nous l’avons vu plus haut, nos capacités de localisation sont étroitement liées à la conformation de nos pavillons d’oreille. Si celle-ci n’est pas exactement prise en compte, la perte en précision est importante, particulièrement dans les zones de plus grande sensibilité de notre système auditif, c’est à dire face à nous.

La seconde écoute a donc été effectuée dans les locaux de l’importateur, qui dispose d’un système multicanal d’enceintes françaises GKF à haut rendement (pack SVIP 1000 et SVP 200) complétées par un caisson de grave Triangle et d’un salon optimisé à l’aide de panneaux de traitement acoustique de marque Cine-Panels. La lecture de CD, DVD et Blu-ray est confiée au lecteur Oppo 93 et l’amplification à un gros intégré Denon AVR 4311. Une installation plutôt orientée Home Cinema, le traitement acoustique mis en oeuvre contribuant à rendre la pièce d’écoute plutôt neutre et mate. Pour l’écoute du Realiser, un beau casque Stax SRS 2050 mkII et son amplificateur dédié sont utilisés.

Une fois réalisées la double calibration du système (enceintes et casque) et l’activation du système de suivi de tête, nous passons immédiatement à l’écoute d’une petite séquence musicale contenue dans la mémoire du Smyth Realiser. Sur cette séquence, l’illusion d’une diffusion sur les haut-parleurs existants est tout à fait spectaculaire. Comme de nombreux autres utilisateurs avant moi, je ne peux m’empêcher de demander à Gilles Gérin de couper le son des enceintes tout en retirant le casque. Mais je n’ai pas le temps de terminer ma phrase… les enceintes sont bien silencieuses !

Cette illusion parfaite se poursuit quel que soit le type de programme écouté : extraits musicaux sur CD et SACD, bandes son de plusieurs films en Blu-ray (écoutées «à l’aveugle» afin de ne pas être influencé par l’image). J’avais pris soin d’emporter quelques un de mes CD fétiches, afin de tester en premier lieu la capacité du système à reproduire deux canaux stéréo frontaux. Je constate ainsi qu’Emmanuelle Bertrand et son violoncelle sont focalisés de manière très satisfaisante bien devant moi, entre les enceintes frontales virtualisées par le Realiser A8. Sur l’enregistrement public de Michel Portal à Minneapolis, la scène sonore de déploie devant moi, et semble de nouveau bien située au niveau du plan des enceintes, en offrant l’assise et la profondeur que je connais de cet enregistrement. Non seulement l’illusion géométrique est bien là, mais il n’y a pas de hiatus notable entre l’écoute au casque et l’écoute sur les enceintes sur le plan de la largeur de bande subjective, de la dynamique ou de l’effet d’espace apporté par la pièce elle-même.

Sur plusieurs programmes multicanaux (le dernier SACD d’Eric Bibb, ou encore la bande son de «L’Age de glace»), je passe ensuite en revue chacun des transducteurs «fictifs» ou canaux virtuels récréés au casque par le Smyth Realiser A8, grâce à la télécommande très pratique de l’appareil.

Le résultat est bien là : les canaux latéraux et arrières (légèrement surélevés en pratique) sont eux aussi précisément localisés dans l’espace. Lors de l’écoute avec tous les canaux en service, la sensation d’enveloppement est totale, et il devient alors très difficile de localiser les canaux virtuels… Ce qui est finalement une bonne chose. Car ce que l’on vise, avec la stéréophonie et a fortiori avec une installation multicanal, c’est bien l’effacement des enceintes - autant que faire se peut - devant le phénomène sonore à reproduire. Quant au canal LFE («Low Frequency Effects»), la voie grave dite «.1» du home cinéma, il est reproduit avec une autorité et une consistance assez inimaginables pour une écoute au casque ! Le système de suivi de tête, clipsé sur le sommet du casque, assure de son côté une stabilité indéfectible de l’image sonore, ce qui contribue largement au confort de l’écoute et à la vraisemblance de la virtualisation. La liberté de l’auditeur est donc quasi totale, sans production d’artefacts gênants lors des mouvements de la tête. L’incroyable pari des frères Smyth semble tenu !

Conclusion

Le Smyth Realiser A8 est à la fois une prouesse technologique et un appareil qui procure un plaisir d’écoute indéniable. Cet exploit a un prix, qui n’est pas exagéré compte tenu de la puissance de cette petite boîte noire. Le fait est qu’avec cet appareil, on peut pratiquement se passer de système home-cinema, pourvu que l’on ait la possibilité de mener à bien et en personne une phase de calibration soignée face à un système existant. Cela dit, je doute fort que les revendeurs de beaux matériels audio ouvrent grandes leur portes aux amateurs équipés d’un Smyth Realiser ! Mais si votre richissime ami d’enfance vous laisse approcher son système d’exception la prochaine fois qu’il vous invite, rien ne vous empêche de repartir avec une copie virtuelle de son système et de vous faire plaisir à moindre frais.

Cet appareil n’est pas qu’un très beau gadget bien doté par ses concepteurs. C’est aussi un outil de travail tout à fait efficace qui permet aux ingénieurs du son, aux mixeurs, au monteurs ou aux ingénieurs de mastering de peaufiner un mixage sans devoir réserver un coûteux studio de longues heures durant. Une bonne partie de la clientelle d’AV-in est d’ailleurs constituée de ce public. Il peut aussi servir à mettre au point un dispositif de reproduction sonore spécifique, pour une expérience ou un spectacle par exemple. Record en la matière : la commande 3 appareils en une seule fois, par un technicien son qui souhaitait pouvoir faire du contrôle de diffusion sonore «holographique» avec un système à 24 canaux (la superposition et la synchronisation de plusieurs systèmes est en effet possible).

On regrettera juste que le SVS Smyth Realiser A8 ne présente pas d’entrée numérique, ce qui aurait évité de recourir à la version analogique d’un signal multicanal avant le (nécessaire) traitement numérique complexe qu’il réalise. Cela étant, l’étage de conversion analogique/numérique de l’appareil est d’une transparence suffisamment poussée pour que cela ne soit pas un réel problème. Le Realiser présente en revanche une sortie numérique au format sp/dif. Elle pourra servir, après une compression éventuelle, à préparer des fichiers son stéréophoniques exploitables par un balladeur numérique. Ce qui permettra de profiter, tout en faisant son jogging, d’un son multicanal au casque...

SVS Smyth Realiser A8

8 entrées analogiques (7 + 1 canaux) niveau ligne sur connecteurs Cinch (écoute), conversion sur 24 bits à 48 kHz,
8 sorties analogiques niveau ligne sur connecteurs Cinch (phase de calibration),
deux sorties casque sur Jacks 6.35, suréchantillonnées à 192 kHz avant conversion N/A,
sortie numérique optique sp/dif (16 bit / 48 kHz) sur connecteur TOSLink,
sortie supplémentaire pour alimentation d’un système Sensurround,
ports USB pour le dispositif de suivi de tête,
slot pour carte mémoire au format SD,
afficheur LCD micro-pixel 4 lignes,
LEDs de contrôle des canaux en service,
alimentation par boîtier séparé,
dimensions : 22 x 10 x 17,5 cm.

La Métamorphose revue par Michaël Levinas

2011-03-02T10:04:00.000-08:00

L’Opéra sur le devant de la scène

Après avoir adapté Les nègres de Jean Genet, Michaël Levinas aborde de nouveau l’opéra avec La Métamorphose de Franz Kafka, récit écrit en 1915.

Il s’agit d’une commande de l’Opéra de Lille, qui souhaite apparaître comme un acteur de la création contemporaine en France en dépit du contexte actuel, difficile aussi pour les institutions culturelles. Sa directrice, Caroline Sonrier, évoque une nécessaire «lutte contre le repli sur soi» et avoue son attrait pour l’écriture vocale du compositeur français. Lequel l’avait abordé, en 2008, en lui lançant un malicieux : «Il paraît que vous n'êtes pas intéressée par mon projet d’opéra ?» (dont elle avait déjà eu vent par Frank Madlener). Oh que si ! Il s’agit donc d’un projet de longue date, commencé en 2004, et d’un sujet tenu pour essentiel par le compositeur.

Quelques deux mois avant la création du spectacle, Michaël Levinas avouait son angoisse avant l’envol de cette machine qu’il qualifie lui-même d’«opéra pour aujourd’hui», plutôt que de création contemporaine en tant que telle. Car il souhaite se dégager de l’emprise des courants et autres écoles de pensée, tout en restant fidèle à ses amours musicales : le goût de l’harmonie, l’expérience du spectralisme, la fascination pour la voix, ce qu’elle dit et ce qu’elle chante. Il y a par ailleurs selon lui la nécessité d’une programmation - et donc d’une écriture - opératique dans la société actuelle.

Mais cet opéra n’est pas la simple mise en musique d'un texte (en l’occurrence, la version française). Il s’agit plutôt, selon les propres termes de Michaël Levinas «d’une rencontre sémiotique entre une langue écrite et un discours musical, qui s’attaque à un mythe essentiel de la littérature moderne». Le compositeur, grand lecteur et féru de théâtre, a «entendu de l’opéra» dans ses multiples lectures de La métamorphose. Il dit d’ailleurs : «Il y a du théâtre dans ce texte, mais attention, on peut s’y brûler les ailes».

Le compositeur évoque aussi les thématiques abordées dans cette adaptation, et les nécessaires transgressions par rapport à l’oeuvre initiale - la première consistant tout simplement à adapter cette oeuvre pour la scène. Et il y a bien sûr transgression dans la mise en scène même de la métamorphose - dont Kafka rejetait toute idée de représentation. Ce récit pose aussi un des thèmes cruciaux du théâtre et de l’opéra : la crise identitaire. Qui est derrière Gregor Samsa ? Quand devient-il réellement animal ? Qu’est-ce qui a changé dans son identité ? Toutes interrogations qui renvoient à la question : L'acteur est il lui-même, ou son rôle ? On sent aussi dans le propos de Levinas une possible référence à l’holocauste, dont La métamorphose serait un texte annonciateur, illustrant le rejet de l’autre, puis son anéantissement - ici par sa propre famille et ses proches.

La question de la temporalité est donc posée. Quand Gregor commence-t-il à se métamorphoser en cancrelat ? Y a-t-il un avant, un après ? Ce doute sera exprimé dans le découpage de l’action par de nombreuses analepses où le malheureux héros ne cessera de revivre sa douloureuse transformation, tandis que la dramaturgie musicale suggérera une chute sans fin. C’est ici que Levinas s’appuiera sur le ressort spectral et sa relation au temps si particulière. Il s’y réfèrera aussi pour harmoniser la voix du chanteur-titre après la métamorphose du personnage. Mais s’il y a recours à l’électronique de l’Ircam pour transformer la voix de Gregor, Levinas n’a pas voulu rendre la voix animale. Il recourt au processus d’hybridation de spectre (une technique qu’il connaît pour l’avoir déjà utilisée dans ses précédents opéras), en prolongeant son contenu harmonique et en intensifiant l’aspect bruitiste des consonnes.

Michaël Levinas est parti à la recherche de la plasticité et de la musicalité de la langue française, souvent contestée par d’autres compositeurs. Des liens et antagonismes qui existent entre consonnes et voyelles. Sur la base d’une langue qui se veut neutre, non poétique, pure signification du mot. L’agencement du texte, la mise en dialogue des scènes, résultent d’ailleurs d’un long travail avec le librettiste Emmanuel Moses, mais dans un total respect du texte initial.

Pourtant, on sent ici une autre pierre angulaire du travail méthodique de Levinas, et son approche très réfléchie des relations entre sons et sens, qui l’ont conduit à reconnaître une métrique particulière dans cette langue, et à développer une syntaxe mélodique qui renvoie finalement à la forme du madrigal, où l’on retrouve un constant dialogue polyphonique entre les personnages... Cela définit un jeu permanent avec le phonème, «au delà du sens et du mythe, mais néanmoins soumis au sens et au mythe». Car bien qu’il ne s’agisse pas de la narration d’une histoire, Levinas a aussi souhaité se confronter avec la mémoire narrative du système tonal et effectuer un certain retour au lyrisme : la partition est à la fois expérimentale et expressive, le compositeur ne cachant pas son intérêt pour l’opéra romantique ou pour les opérettes du début du siècle dernier.

Pour la mise en scène, le compositeur a laissé champ libre à Stanislas Nordey, avec qui il avait déjà travaillé sur Les nègres. Quant à l’effectif musical, il sera constitué d’un petit ensemble d’une quinzaine de musiciens, dont deux clavieristes, un quintet à cordes comprenant deux contrebasses, quatre instruments à vent.

Cet opéra sera précédé par un prologue poétique intitulé «Je tu il», dont le texte est dû à l’écrivain Valère Novarina, initialement approché pour élaborer le livret de La métamorphose.

La métamorphose, opéra de Michaël Levinas

Livret : Emmanuel Moses

Mise en scène : Stanislas Nordey

Ensemble Ictus dirigé par Georges-Elie Octors

Dans le rôle de Gregor : Fabrice di Falco

Informatique musicale Ircam : Benoit Meudic

Création à l’Opéra de Lille, les 7,9,11,13 et 15 mars 2011

2 rue des bons enfants,

59 000 Lille

Epilogue

Cette Métamorphose est le premier opéra d’une série de cinq élaborés à l’Ircam, qui se poursuivra avec Quartett de Luca Francesconi (Scala de Milan, avril et mai 2011), Luna Park de Georges Aperghis (Ircam, juin 2011, dans le cadre du festival Agora), La Nuit de Gutenberg de Philippe Manoury (Opéra de Strasbourg, septembre 2011, dans le cadre du festival Musica) et Re Orso de Marco Stroppa (Opéra Comique, mai 2012 & La Monnaie de Bruxelles, septembre 2012).

En 2011, ces aventures s'achèveront dans les studios de l’Ircam, qui s'apparentent aujourd’hui à la fameuse «camerata fiorentina» d'avant 1600, là où convergeaient les efforts de poètes, de musiciens, de théoriciens de la prosodie (aujourd'hui de la transformation vocale) et de princes mécènes qui en soutenaient l'expérimentation. De ces cénacles italiens aura surgi l’aventure et l’histoire d’un genre toujours vivace, l’opéra. Du laboratoire Ircam, une nouvelle fabrique d’un monde lyrique ?

Crédit photo M. Levinas : Olivier Roller

"Wagner m’a tué !"

2011-02-20T02:55:00.000-08:00

ou Les enjeux de la musique en 25 citations

Sous un titre un peu accrocheur vient de paraître un ouvrage érudit proposant une approche de la musique (classique, essentiellement) en 25 citations choisies de compositeurs, poètes ou philosophes. Ces citations sont en outre classées selon 4 thèmes : la création, le sens, le public, les effets. L’exercice est dû à un collectif d’auteurs placés sous la direction d’Elisabeth Brisson.

Même si les différents articles s’attachent à analyser en détail le contexte de chaque citation et les débats ou polémiques qu’elle a pu provoquer en son temps, on pourra aussi voir dans cet ouvrage une sorte d’histoire de la musique en (très) condensé, riche en anecdotes informatives. En effet, les auteurs laissent parler des personnalités majeures d’époques diverses, ayant «autorité» dans le domaine (de Bach à Boulez) et qui se sont par exemple trouvées pendant leur existence au coeur d’un courant musical naissant. Néanmoins, la majorité des propos retenus est le fait de créateurs des 19e et 20e siècles. Peut-être aurait-il été plus objectif de balayer de manière systématique et équitable les siècles passés ?

Toujours est-il que la première citation, de Heinrich Heine («L’essence de la musique est d’être une révélation»), permet, au delà de son sens premier et fondamental, d’introduire au furieux débat sur la critique musicale qui prit forme à Paris au 19e siècle.

Beaucoup plus lointaines, les citations de Platon et d’Aristote rappellent à quel point la musique et la danse (tant qu’elles accompagnent un texte ou un chant, au moins chez Platon) étaient considérées comme indispensables au développement de la sensibilité et des qualités d’âme de l’être humain. Mais aussi à l’aptitude au raisonnement, et ce quelques quatre siècles avant notre ère. Ce que nous avons vite oublié, particulièrement en France.

D’autres extraits donnent à réfléchir sur le rôle de la musique dans la société et pour le musicien lui-même, comme l’étonnante saillie stravinskienne : «Je considère la musique, par son essence, impuissante à exprimer quoi que ce soit» ou encore les propos de Viktor Ullman (cité deux fois), musicien tchèque déporté au camp de Thérezin et mort à Auschwitz.

Les propos de Pierre Boulez (cité deux fois également), aussi lapidaires soient-ils, permettent d’expliciter l’avènement de l’ère dodécaphonique et rappellent comment certains musiciens ont pu réagir de manière viscérale (tant parmi les prosélytes que chez les détracteurs) à cette nouvelle forme d’écriture. On ne manquera pas de relever la petite touche de complaisance des auteurs des deux articles à propos de l’incisif compositeur. Enfin, nous n’avons qu’un Boulez !

Adorno est aussi présent, pour sa puissante critique de «l’industrie culturelle» (oui déjà, juste à l’après-guerre !), ce qui permet à l’auteur de l’article une extension du propos original au plus récentes habitudes de consommation de la culture et particulièrement de l’opéra.

Emmanuel Chabrier est cité deux fois lui aussi. C’est d’ailleurs lui qui donne son titre à l’ouvrage, tout fasciné qu’il était par l’opéra wagnérien. Mais il figure encore, de manière plus anecdotique sans doute, pour l’apport de ses racines régionales dans sa musique.

Le mot de la fin revient naturellement à Schopenhauer, le philosophe de la musique par excellence, même si le propos qui en découle reste discutable - notamment dans la comparaison entre la musique et les autres arts. Mais le propre d’un essai est bien de susciter les réactions du lecteur...

On détectera certes par endroits quelques longueurs ou redondances (l’analyse du - révolutionnaire pour l’époque - Boléro de Ravel), mais d’une manière générale le style des rédacteurs est très clair et les articles bien documentés. Ils se concluent tous par une bibliographie permettant d’approfondir encore la problématique soulevée.

Il s’agit donc d’un ouvrage qui s’adresse tant au mélomane curieux qu’à l’étudiant rédigeant un mémoire et qui souhaiterait étayer son propos par quelques solides exergues. Si ce ne sont celles développées ici-même, elles pourront être extraites des nombreux ouvrages cités en référence.

«Wagner m’a tué»

Les enjeux de la musique en 25 citations

Editions Ellipse

Prix : 19,5 €

Opération Vintage Spirit à la FNAC… jusqu’au 10 mars

2011-02-17T09:45:00.000-08:00

Retour vers… le passé !

L’esprit seventies plane de nouveau dans les temples de la consommation culturelle ! Témoin, cette opération Vintage Spirit des magasins et du site FNAC. Au menu, une sélection de CD et de disques vinyl, de DVD, de produits techniques, de livres et magazines, de produits dérivés évoquant tous les décennies passées.

Parmi cette sélection, le vinyl figure (presque) en bonne place. Des bacs de 33 tr/mn neufs, rééditions récentes d’albums cultes, datés en fait des années 60 à nos jours, sont en général positionnés à l’entrée des magasins. Les jeunes gens sont invités à piocher allègrement dans ce choix anachronique, d’autant qu’une opération «Moins de 20 ans, moins 20 %» les attend.

On pourra donc se réapprovisionner, même s’il on a plus de 20 ans, en belles références faisant l’objet de rééditions plus ou moins luxueuses sur vinyls 180 grammes (ils y sont, j’ai pesé quelques échantillons avec ma petite balance de cuisine), à des prix qui restent abordables. 30 € pour une édition double du mythique Are you experienced du Jimmy Hendrix Expérience (avec bonus tracks), 19 € pour un Beach Boys de la belle époque, 18 € pour les Songs of love and hate de Leonard Cohen, 17 € pour un album de Björk. De très récents White Stripes et Franz Ferdinand sont au même prix.

A l’écoute - sur un système haut de gamme dont la source est une platine Linn LP12 bien équipée - ces pressages s’avèrent d’une qualité très correcte, que ce soit en termes de dynamique, de bande passante subjective ou d’image stéréophonique. Le bruit de surface est quasi nul. Observés de près, ces disques affichent une planéité satisfaisante, une absence de bavures de fabrication (défauts souvent rencontrés à l’époque où l’on a commencé à sonner le glas de ce support au profit de la technologie numérique), et un pas de gravure a priori choisi pour maximiser la qualité. Certains éditeurs ne rechignent d’ailleurs pas à répartir un programme un peu long sur deux disques, au lieu d’entasser tous les morceaux (originaux plus titres inédits par exemple) sur un même disque.

Côte matériel, on retrouve aussi des platines tourne-disques - à partir de 129,90 € telle cette Ion Profile LP (à cellule céramique !) - souvent pourvues d’un préampli-convertisseur avec sortie USB. C’est le cas du modèle ETVT20102BLK (ouf !) de TDK, marque plutôt connue (et réputée) pour ses supports d’enregistrement magnétiques et optiques. Tout cela ne fait certes pas de la très haute fidélité, mais c’est désormais une chose tout a fait officielle : le 33 tr/mn a réussi son come-back, même dans les grands circuits de distribution !

Si au début des années 80 le CD était était annoncé comme une révolution (alors qu’il s’agissait plutôt d’une régression sur la plan de la musicalité), ce sont aujourd’hui les moins de trente ans qui aujourd’hui évoquent le son plein des vinyls avec des trémolos dans la voix !

Exercices du silence de Brice Pauset

2011-02-11T10:23:00.000-08:00

Une mystique dans la douleur

Avec «Exercices du silence» le compositeur Brice Pauset, féru d’histoire et de philosophie, a mis en musique le contenu de lettres écrites par Louise de Bellère du Tronchay (1639 - 1694), qui se fit appeler Louise du Néant peu avant son internement à La Salpêtrière à l’âge de 35 ans. Mystique parmi les mystiques, avide de mortifications, cette personnalité hors du commun issue de la noblesse - et qui dans sa prime jeunesse avait fréquenté le couvent de l'Abbaye du Ronceray à Angers - fit le choix délibéré après quelques années d’enfermement de partager la condition misérable des folles et des miséreuses mises au ban de la société de l’époque.

Cette pièce difficile et heurtée fut créée en 2008 et est reprise en 2011 à l’Ircam, Brice Pauset ayant retouché a l’écriture de la partie pianistique. On ne s’attend évidemment pas, avec une telle thématique, à entendre une oeuvre légère et gaie. Effectivement, la vision développée par Brice Pauset a tout du cauchemar. Le compositeur déclare lui-même que les quatorze tableaux de cette pièce «exposent avec une certaine méthode le prix à payer pour un idéal donné». Et ce prix est ici particulièrement élevé.

C’est ainsi que l’espace scénique confine au dénuement le plus total, partagé entre le pianiste Michael Wenderberg, et la soprano Salomé Kramer qui évolue à petits pas dans un lieu sombre, juste ponctué d’une chaise et d’un bloc qui pourrait être de pierre glacée. Et de l’introduction - sombre collage sonore aux extraits éparpillés et indistincts - à la coda, l’oeuvre entière semble traversée par une difficulté extrême qu’aurait le personnage de Louise du Néant à énoncer son propre sort.

Un parti pris singulier, puisque dans la réalité on fit plutôt reproche à Louise de son intarissable volubilité, et de faire tant publicité de ses actes de contrition. Mais il est vrai aussi que ses sonores crises d’hystérie ou ses tentatives d’auto-mutilation écartent d’elle toute compréhension - à l’exception de celle de l'un de ses confesseur, le père Jean Maillard, qui publiera sa biographie. Et, dans le contexte de l’époque, Louise est non seulement victime de sa passion dévorante pour le Seigneur, mais aussi de l’opprobre qui frappe les derniers vrais mystiques que la cause religieuse ait engendré - et que la bonne société assimile à des phénomènes de foire, quand ce n’est pas à de répugnant(e)s sorcier(e)s.

La prosodie imposée au personnage de Louise repose le plus souvent sur la dislocation des phonèmes et la décomposition des timbres. Voyelles et consonnes sont écartelées, tandis que le piano martèle le grave ou l’aigu de manière exacerbée. Il en va de même de l'espace sonore qui cerne le public, qui donne à entendre une perspective infiniment lacérée (ce que rend possible le dispositif électro-acoustique déployé tout autour de la salle et le contrôle du son en temps réel depuis la régie).

Finalement, «Exercices du silence» est plus une épreuve qu'une initiation, que ce soit pour les musiciens ou pour les auditeurs. Par l'accumulation d'effets sonores crispants, Pauset ne montre guère de complaisance vis à vis de son personnage. Ni pour son public, toujours soumis à la prédominance d'harmoniques impaires, d'innombrables fractures sonores, et à la quasi absence de résolution de ces tensions bruitistes.

Or, on aurait pu espérer que les moments d'extase de Louise soient retranscrits par de véritables stations de plénitude musicale, où son humanité et sa totale dévotion auraient été réhabilités. Mais, à défaut de suggérer plénitude ou sérénité retrouvée, ces courts moments sont également présentés de façon paroxystique.

Ainsi, «Louise la pauvre» ne semble guère trouver de salut auprès du compositeur. Son destin serait-il donc de rester à jamais incomprise ?

De gauche à droite : Salomé Kammer, Olivier Pasquet (informatique musicale),

Brice Pauset, Michael Wenderberg

En exposition à la MEP - du 9 février au 10 avril 2010

2011-02-08T10:39:00.000-08:00

Henri Huet - Vietnam

A l’instar de Robert Capa ou James Nachtwey, Henri Huet, natif du Vietnam, a su comme peu d’autres capter l’action de guerre, dans un pays qui était le sien : la peur d'un soldat américain pourtant soutenu par un camarade, le ballet des hélicoptères venant chercher des montagnards de Bu Lach, la douleur d’un enfant blessé par une explosion au sortir d’une ambulance, avec pourrait-on dire une science aboutie du cadrage et de la profondeur de champ.

Images graves d’individus et de lieux dévastés, dont il ne reviendra pas.

L’exposition, très riche, occupe le sous sol entier de la MEP, et rassemble aussi de nombreuses coupures de presse illustrées par Huet.

Sous une vitrine, son Leica M2 et son Nikon F, respectivement équipés des focales 50 et 35 mm, appréciées des reporters de guerre, mais qui obligent à «rentrer dans le sujet». Le mot de Capa n’a jamais été si juste : «Si ta photo n’est pas assez bonne, c’est que tu n’étais pas assez près». Les images de Henri Huet sont, elles, cruellement bonnes.

Vincent Rosenblatt – Rio Baile Funk

Autres temps, autre lieux. Dans la Rio contemporaine s’organisent, au rythme effréné de 300 à 500 par semaine, des «bailes funk» (bals) où toutes les classes sociales se retrouvent, et qui constituent une sorte de lieu de révolte chantée et dansée, objet de la répression policière.

Malheureusement, cette exposition est trop petite : la sensualité des corps et des poses n'est qu'évoquée, la dimension sociale du phénomène n’est citée que dans la note d’exposition, mais est relatée dans le reportage radio que l’on peut écouter au casque. C’est dommage !

Hervé Guibert photographe

Hervé Guibert livre ici de manière posthume sa propre sélection définitive d’images personnelles en quelques 200 œuvres de petit format. Le parcours commence par des images épurées de comédiennes, dont la jeune Isabelle Adjani.

Un peu plus loin, l’auteur du livre «La photo, inéluctablement» accumule les natures mortes d'un atelier fantasmé (série d’images prises au musée Grévin et à la Specola de Florence). Ici, la représentation est celle du corps meurtri, ou figé par la mort, et placé à côté de portraits et de nus «bien vivants».

"Je rêve que les photographes se mettent à écrire et que les écrivains prennent des photos, qu'il n'y ait plus d'intimidation des uns aux autres..." Et l’on découvre avec fascination les petites mises en scènes intérieures très économes de moyens, où la trace et l'ombre sont omniprésentes. Il y a de la crudité et de la poésie dans le travail photographique de l’écrivain.

Son unique long métrage «La pudeur et l’impudeur», réalisé peu de temps avant sa disparition, il y a vingt ans, est également présenté.

Marc Trivier ou la photographie comme expérience

Marc Trivier aime le flou et la lumière révélatrice, le format carré et les bovins. Il tient son attirance pour la lumière d’une expérience de jeunesse de clarté irréelle observée dans un sous bois. A propos de ses images d’animaux écorchés, il associe leur destin au nôtre et dit : «La mort ne pourra se passer de nos corps - mais au fond, elle ne nous veut pas de mal, elle ne nous veut rien».

Trivier aime aussi les célébrités, écrivains ou peintres pour la plupart (Warhol, Jasper Johns, Tadeus Kantor, Nathalie Sarraute, Francis Bacon, Beckett, Burroughs... mais aussi John Cage), qu'il fait cohabiter avec des inconnus : Philippo, Jean, Michel ou François…

Souvent légèrement surexposées, les portraits sont baignés de lumière. Qu’il fait donc cohabiter aussi avec des vaches et cochons équarris en décor d’abattoir. Une autre audacieuse juxtaposition, qui fait écho à celle développée dans l’exposition de Hervé Guibert.

Jacques Prévert – Photos détournées

Il faudra voir aussi les beaux collages surréalistes de Prévert, «peintre sans pinceau» selon Picasso, qui puisait sa matière dans des images de récupération, achetées aux Puces ou empruntées à ses amis photographes.

Des collages qui «au fond, sont des poèmes» comme le dit son éditeur.

Oboe 2011

2011-02-06T03:31:00.000-08:00

Le hautbois est de retour !

Le festival Oboe est de retour, programmé comme à l'habitude à cheval sur les mois de février et de mars, avec, une fois de plus, un programme varié comportant quelques temps forts originaux. Au nombre des compositeurs représentés : Bach, Britten, Haendel, Jolivet, Mozart, Piazzola, Purcell, Schubert, Telemann, Vivaldi...

Le festival commencera le samedi 19 février à l'Eglise Saint Merri (à 20h). «Entre mots et notes : poésie et musique» réunira la directrice artistique du festival Marika Lombardi (hautbois) et Cyril Andrieu-Lacu (voix). Ils exploreront de concert des textes de Blaise Cendrars et d'Alda Merini et des partitions sacrées de J.-S. Bach.

Citons également une matinée consacrée à la musique d'amérique du sud à la Cathédrale Américaine (à 12 h 30 le 3 mars, avec l'ensemble Alma Viva et Laszlo Hadady), et la Gran Partita de W.-A. Mozart, interprétée de deux manières différentes : dans la version de Schwenke pour hautbois viennois et trio à cordes (le Samedi 26 Février à l'Auditorium de la Cité des Arts, à 20h30) et dans sa version originale (le vendredi 11 Mars au Musée Carnavalet, à 12h30).

Le festival invitera également des jeunes talents (le 20 février), le Quatuor Entre Manches (le 24 février), le corniste Albin Lebossé (le 4 mars), et proposera une Master Class de hautbois menée par Alexandre Gatett (le 5 mars).

Enfin, l'événement se concluera le dimanche 13 mars en quai de Seine sur le Bateau Daphné (à 16h30) avec le programme «Quartetto à l’eau».

Comme l'année passée, Signal sur bruit est associé à cette manifestation et réalisera plusieurs prises de son de concerts au programme.

Programme détaillé et adresse des salles sur le site d'Oboe 2011.

Le festival Paris Quartier d’Eté menacé...

2011-02-01T02:49:00.000-08:00

Signez l’appel pour sauvegarder

Paris Quartier d’Eté !

Paris quartier d’été, festival fondé en 1990, propose chaque année une programmation riche et audacieuse qui permet à tous de redécouvrir Paris, et de découvrir les talents les plus variés dans un grand nombre de domaines : des spectacles de danse aux expositions photographiques, du cirque nouveau aux soirées jazz, des projections de films en plein air aux représentations théâtrales en salle…

Depuis 10 ans, Paris Quartier d’Eté fédère tous les lieux et tous les publics, sans exclusive, avec des événements de haute qualité qui attirent de nombreux spectateurs et des artistes de renom.

Signal sur bruit est d’ailleurs présent notamment aux Arènes du Jazz (Arènes de Montmartre), pour un festival dans le festival, en cinq dates, qui voient se produire le gratin des musiciens et formations de tous pays… Ce n’est qu’un exemple. Mais cet événement (et tant d’autres) est désormais un incontournable de l’animation estivale parisienne.

Cette formidable initiative est aujourd’hui menacée, principalement pour des raisons budgétaires, qui sont exposées en détail dans l’appel que nous vous invitons à signer. Nous nous faisons spontanément l’écho de la campagne de sensibilisation initiée par les organisateurs de cette manifestation, car il serait bien dommage qu’elle doive se priver d’une partie importante de son contenu...

Festival Paris quartier d’été

5, rue Boudreau - 75009 Paris

Tél. : 01 44 94 98 00 - Fax : 01 44 94 98 01 email : paris@quartierdete.com

Site web : www.quartierdete.com

L’histoire du soldat - Igor Stravinsky

2011-01-31T08:09:00.000-08:00

t m + et l’Arcal réveillent un

soldat pas si connu…

Il apparaît courant sur un fil tendu à la verticale… et continue son chemin de fragile funambule sur une horizontale à peine plus praticable, tandis qu’un petit groupe de musiciens l’accompagne en arpentant le plateau... Probablement «entre Denges et Denezy», c’est à dire là où se situe le «drame», en pays vaudois, terre d’accueil de Stravinsky à l’époque de la composition. C’est donc L’Histoire du soldat, écrite de concert par Charles-Ferdinand Ramuz, le librettiste, l’ami et le collaborateur, et par Igor Stravinsky. Un soldat qui par imprudence va vendre son âme au diable, non pas comme chez Faust en l’échange de l'éternelle jeunesse, mais contre une simple promesse de richesse illimitée.

Comme le souligne Harry Halbreich dans les notes de pochette du disque Boulez conducts Stravinsky paru en 2001 chez Deutsche Grammophon - qui comprend la version de concert de cette pièce de théâtre musical - «L’Histoire du soldat a influencé la musique de l’entre-deux guerres plus profondément sans doute que toute autre oeuvre de Stravinsky». Mais en ce début de nouveau millénaire, Stravinsky reste finalement beaucoup plus connu pour ses compositions d’avant 1918. C’est en effet dans cette première période que l’on trouve notamment les incontournables et souvent révolutionnaires musiques pour ballet : L’Oiseau de feu, Petrouchka et Le Sacre du printemps.

L’histoire du soldat, composée en 1918, inaugure en quelque sorte une nouvelle période créatrice pour Stravinsky, et se distingue par une forme scénique très originale, à la fois opéra, théâtre et ballet, conditionnée par les difficultés que rencontre Stravinsky à cette époque. Il a alors l’idée d’inventer une forme de théâtre musical ambulant ne nécessitant que peu de moyens, et ne rassemblant donc que peu de musiciens et de comédiens. La partition est quant à elle à la fois simple et efficace : elle mélange avec habilité et humour des thèmes de folklore tzigane, de marche militaire, de tango, et intègre les tout premiers éléments de jazz entendus dans la musique européenne. Elle connaît immédiatement un succès important, mais cette «invention» n’effectuera malheureusement pas le parcours auquel ses créateurs la destinaient.

Si certains critiques voient dans cet opus une oeuvre déterminante dans laquelle Stravinsky est davantage complice du diable que du malheureux soldat trompé, n’oublions pas que la période pendant laquelle Stravinsky compose L’Histoire… est particulièrement difficile pour lui, tant sur le plan affectif (décès de proches) que matériel (la récente révolution russe le prive de ses droits d’auteur). Difficile donc de ne pas voir dans le personnage de ce soldat un reflet de la personnalité et des préoccupations de Stravinsky, alors que nous sommes quasiment au sortir de la terrible première guerre mondiale.

Le revoici donc, ce soldat un peu oublié du public, dans une belle, sobre et audacieuse production. Les solistes de t m +, son chef Laurent Cuniot en tête (incarnant aussi le rôle du diable), les comédiens Serge Tranvouez (le narrateur), Mathieu Genet (le soldat), la danseuse Raphaëlle Delaunay (la princesse), tous mis en scène par Jean-Christophe Saïs dans un décor et une mise en lumière due à Jean Tartaroli, donnent une version moderne et captivante de cette oeuvre assez peu jouée.

Mais cette fois, il s’agit bien d’un spectacle ambulant, tout d’abord donné à l’Opéra de Reims, puis à la Maison de la Musique de Nanterre (en janvier), et qui poursuivra son chemin à la Faïencerie de Creil (le 16 mars), à l’Onde de Vélizy (les 29 et 31 mars) et au Nouveau Relax de Chaumont (le 31 mai).

t m +
www.tmplus.org/fr
Arcal
www.arcal-lyrique.fr

° ° °

A propos de Stravinsky, signalons également la spectaculaire exposition re-rite mise au point par le Philharmonia Orchestra de Londres. Il s’agit d’une installation immersive et interactive basée sur un film du Philharmonia Orchestra interprétant Le sacre du printemps placé sous la direction d’Esa-Pekka Salonen.

Cette captation intégrale de l’oeuvre a été filmée à l’aide de 29 caméras distinctes et enregistrée avec des micros disséminés dans chaque section de l’orchestre. L’exposition, qui nécessite un espace de grande ampleur découpé en autant de zones de projection, met le visiteur en contact visuel et auditif avec chacune de ces sections et lui permet également de consulter les lignes de la partition qui les concerne, au sein d’un parcours quasi-labyrinthique.

On peut également s’essayer (fictivement) à la direction d’orchestre et, d’une manière plus réaliste, au pupitre des percussions, sous les instructions préenregistrées d’un musicien de l’orchestre.

Cette exposition a été déployée à Londres et à Leicester en 2009 et 2010. Elle vient d’être présentée début 2011 au Musée de la Mode de Lisbonne. Espérons qu’elle continuera à voyager et si possible en France. Car, comme le résume le chef finlandais : «Etre à l’intérieur d’un orchestre, ressentir la présence des 101 musiciens reprenant cette oeuvre mythique, provoque une des plus fortes montées d’adrenaline qui soit, et c’est une sensation que je voudrais partager avec le monde entier. C’est exactement ce que nous faisons ici.»

Lien à consulter : www.philharmonia.co.uk/re-rite/

Crédits photographiques copyrights Philharmonia Orchestra

L’Ensemble Orchestral Contemporain à Nanterre

2011-01-31T03:26:00.000-08:00

L’EOC ressuscite les seventies !

L’Ensemble Orchestral Contemporain, sérieuse formation stéphanoise spécialisée dans la musique de notre temps, a décidément plus d’une corde à son arc ! Non contente d’interpréter, sur le territoire national et aussi dans le cadre de tournées à l’étranger, les oeuvres les plus marquantes du répertoire contemporain, elle ose aborder, avec un égal bonheur et une originalité très affirmée, certains hymnes du rock progressif des années 70 ou issus de l’actualité pop la plus fraîche.

C’est ainsi que nous retrouvions l’EOC à la Maison de la Musique de Nanterre ce dimanche 30 janvier après-midi, pour un concert exceptionnel associant des opus aussi variés que les «Six bagatelles pour instruments à vent» de György Ligeti, une relecture de «Close to the edge» du groupe Yes, de «Baba O’Riley» des Who ou encore de «I got a feeling» des Black Eyed Peas.

Voila en effet quelques années que René Bosc, l’un des deux chefs permanents de l’EOC, s’est lancé dans l’arrangement pour orchestre d’un certain nombre de «tubes» de l’époque bénie de la pop et du rock. Lui et sa formation rendent hommage à des artistes et des groupes qui ont eux-mêmes affirmé leur intérêt pour le répertoire classique et les expérimentations sonores réalisées par les grandes figures de la musique contemporaine dans les décennies de l’après-guerre.

La boucle est ainsi bouclée, pour le plus grand bonheur des amateurs de Yes, Genesis et King Crimson, groupes séminaux et représentatifs d’une époque où la pop n’était pas encore tout à fait une industrie.

Et qu’il s’agisse de revisiter le monumental «21st century schizoid man» de KC - avec percussionnistes sur bols et verres Duralex disséminés dans le public, voir ci-contre -, la «Black Page» de Franck Zappa et le «Tarkus» d’Emmerson Lake & Palmer - avec véritables samples de Moog et autres sonorités joliment datées -, ou encore d’explorer les structures répétitives de «Baba O’Riley», l’EOC et son chef sont totalement à l’aise.

Cette fois, à Nanterre, la formation - très engagée aussi dans de nombreux projets pédagogiques - a embauché de tout jeunes élèves des collèges alentour afin qu’ils constituent un choeur et chantent les deux derniers titres du concert : «Baba O’Riley» et «I got a feeling». Inutile de préciser que les parents présents ce dimanche sont ressortis à la fois avec l’oeil humide et avec un sentiment de fierté absolument pas déplacé… Il y a en effet bien plus mauvaise initiation musicale que celle consistant à reprendre, en 2011, avec le bon accent et sans fausse note, des refrains Daltreysiens !

Un spectacle à la fois surprenant et réjouissant, soutenu visuellement par la projection de vidéos spécifiquement élaborées par Jérôme Bosc, le propre fils de René, et qui achèvent de donner à cet événement un savoureux goût de happening.

EOC
Conservatoire Massenet
32 rue des Francs-Maçons
42100 Saint-Etienne

www.eoc.fr

° ° °

A la sortie du concert, il était également question de happening et de vieux Moog dans le hall de la Maison de la Musique, où Thierry Balasse et la Compagnie Inouie inauguraient leur exposition protéiforme intitulée Voyage au coeur des sons à travers une performance uniquement retransmise au casque. Cela fleurait bon Pink Floyd et Soft Machine…

Cette exposition didactique se poursuit jusqu’au 13 mars.

Maison de la Musique,

8, rue des Anciennes-Mairies

92000 NANTERRE

www.nanterre.fr/envies/culture

China Moses à la Nuit du Jazz de Levallois

2011-01-30T11:53:00.000-08:00

Samedi 29 janvier,
Conservatoire Maurice Ravel de Levallois (92)

En ce dernier samedi soir de janvier (toujours glacial), le conservatoire de Levallois programmait sa Nuit du Jazz, sous forme d’un concert en deux parties. A 20 h se produisait l’orchestre d’Yvan Jullien. A 22 h 30, c’était au tour du quintet de China Moses et Raphaël Lemmonier d’entrer en piste.

En dépit d’un effectif jeune, compétent et nombreux (21 musiciens sur scène), le big band d’Yvan Julien peine un peu à motiver la salle. Dommage, car tous les moyens sont là. Mais les interprétations des morceaux choisis par le chef restent un peu convenues voire monolithiques, alors que ce répertoire aurait permis de multiplier les breaks, les ruptures de rythme et de laisser de singuliers riffs émaner de la section cuivre particulièrement fournie de cet ensemble.

On pointera aussi la rythmique trop ostensiblement «funk» de cette machine, qui finit par donner un côté easy listening/jazz FM à presque tous les morceaux égrainés pendant cette première partie. Pour couronner le tout, notons un parti pris de sonorisation qui ne rendait que peu justice aux timbres du piano, à la voix de la sympathique et souriante chanteuse Annick Tangorra, ou aux solistes de la formation qui se succédaient au micro...

° ° °

Après une pause d’une heure environ, soit vers 22h40, le batteur Jean-Pierre Drouard, le contrebassiste Fabien Marcoz et le pianiste Raphaël Lemmonier font leur apparition sur scène. Ils sont rapidement rejoints par China Moses, pour un hommage appuyé à l’une de leur principales égéries musicales : Dinah Washington.

Cette fois, c’est un gros son de qualité, plutôt bien timbré, qui s’échappe du système de sonorisation de la très belle salle du Conservatoire Ravel. On notera néanmoins le niveau un peu élevé de la contrebasse, qui sur certaines notes excite les résonances de la salle. Mais dès les premières mesures, le sens du groove du trio (pas encore rejoint par le saxophone) est manifeste… Et ne se démentira d’ailleurs sur aucun morceau.

La sculpturale China, bien en verve, tient à nous conter quelques anecdotes marquantes de la vie de Dinah l’étoile filante, célèbre dès l’âge de 18 ans au sein du big band de Lionel Hampton et précocement disparue à 39 ans. Une personnalité haute en couleur, grande amatrice d’hommes, ce que souligne notre chanteuse franco-américaine en reprenant les titres «Mad about the boy», «Evil gal blues» et «Fat daddy»… Dans ces reprises, China trouve sa propre voix mais emprunte tout de même certaines intonations à la Queen of the blues originale.

Les quatre musiciens se lancent ensuite dans une longue et hypnotique reprise soul de «Cry me a river», arrangée spécialement pour China par Raphaël Lemmonier, et introduite par un long duo batterie/contrebasse au swing irrépressible.

C’est sur ce morceau qu’apparaît enfin le saxophoniste Daniel Huck, avec un son très appuyé et un sens de l’humour manifeste.

Puis c’est «Lover come back to me», suivi de «Dinah’s blues», composition originale de China et Raphaël, et «Call me irresponsible» que la fantasque Dinah revendiquait avec lucidité.

Le quintet offre un florilège de titres figurant sur le disque This one’s for Dinah, enregistré en studio mais dans des conditions proches d’un enregistrement public (pas de re-recording ni de montage a posteriori).

L’enthousiasme du public est total. Il s’agit d’un set chaleureux, placé sous le signe de la générosité et de l’humour, susceptible de réconcilier les esprits les plus réticents avec le jazz vocal. Nous sommes loin de l’ambiance empesée de certains concerts où le jazz présente encore les apparences d’une musique élitiste.

Avec au micro une China Moses complètement désinhibée, magnifiquement entourée par quatre musiciens monstrueusement doués et dévoués à la cause, ce beau moment de musique s’achève sur un unique rappel, «I just wanna make love with you», cette fois dédié à Etta James. Probablement une des prochaines figures qui seront célébrées par cette formation dans leur album à paraître, attendu vers avril prochain...

La Semaine du Son - Edition 2011

2011-01-12T05:28:00.000-08:00

Une manifestation en pleine croissance !

Incontournable ! La 8e Semaine du Son, du 18 au 22 janvier à Paris et à Genève, et du 23 au 30 en régions, à Bruxelles et à Montréal, est désormais l’événement marquant du début d’année pour les professionnels et passionnés du son. Elle sera placée cette année sous le parrainage de Pierre Boulez, et se promet d’adresser d’innombrables thèmes techniques, médicaux, sociétaux et artistiques.

Il faut insister sur la qualité des conférences, tables rondes et animations habituellement proposées par les organisateurs de cette manifestation, vaillamment entraînés par Véronique Balizet, sa déléguée générale, et Christian Hugonnet, son président. Venir aux journées ou aux ateliers de La Semaine du Son, c’est accepter de faire une pause, dans le calme, pour se documenter sur les nouvelles techniques, assister à des spectacles dont le son est une composante majeure, se sensibiliser aux risques de l’écoute à haut niveau sonore ou de la pratique musicale (malheureusement, il y en a !).

Impossible de détailler ici le programme complet de cette manifestation dont l’influence va croissant. Mais les sujets abordés couvrent un large spectre. Citons, pour Paris, la journée inaugurale du 18 janvier, intitulée «Audition et cerveau» (au Palais de la Découverte) et qui consacrera une large part à la question de la santé auditive (avec opération de dépistage des défaillances auditives des participants, que l'on espère rarissimes), la journée du 20 consacrée au « Design sonore des véhicules» (au Palais de Tokyo), celle du 21 à la «Spatialisation sonore» (à l’Ircam) et celle du 22, qui tentera de répondre à l’interrogation «Quel son pour une image 3D ?» (à l’Espace Pierre Cardin).

En marge de ces journées, signalons également, le 19 à 19 h, la projection image et son en relief (avec la technique dite du «Format B») du documentaire «Je vous écris du Havre», de Françoise Poulain-Jacob et Jean-Marc L’Hôtel (au 6B à Saint-Denis) et le 22 après-midi, l’atelier d’enregistrement amateur et de maîtrise de la reproduction domestique organisée par l’AFDERS (à la Médiathèque Musicale de Paris).

Très riche programme également en province et dans les autres capitales, avec des concerts gratuits, des ateliers de création de musique électro-acoustique, des sessions de sensibilisation à la problématique des niveaux sonores, etc… la plupart du temps en entrée libre.

La Semaine du Son est véritablement «l’événement qui dit tout du son» !

La Chose, de Jmb acoustique

2010-12-30T05:14:00.000-08:00

Non, il ne s’agit pas
d’une production Marvel Comics !

L’enceinte dont Jmb acoustique annonce la sortie en cette fin d’année 2010 n’a rien à voir avec Benjamin Jacob Grimm, sympathique super-héro à la force herculéenne transformé en tas de brique à la suite d’une sortie dans l’espace qui a mal tourné. Mais on peut dire que ce produit d’exception (édition limitée à 50 paires pour le monde) présente tout de même, passez-moi l’expression, une sacrée gueule ! Il ne s’agit pas tout à fait d’un hasard : la jeune marque française Jmb acoustique fondée il y a environ trois ans par Bertrand Valère est à l’origine d’une petite poignée d’autres modèles à l’apparence et au volume souvent déroutants (la série des modèles Aventure).

La Chose, dite aussi Enceinte Revolution Air est d’une conception extrêmement originale. Qu’elle représente un objet de convoitise au design inédit - et plutôt très réussi à mon goût - est un fait, qui justifie une bonne partie de son prix. Mais voilà, au delà du look et de l’approche marketing sous-jacente, les performances musicales subjectives sont-elles au rendez-vous ?

Avant de répondre à la question, précisons que La Chose est bâtie sur un exo-squelette en altuglass étuvé et usiné avec soin qui ne fait pas moins de 5 cm d’épaisseur. Un gage d’originalité, mais aussi de rigidité mécanique et de transparence (au moins visuellement en tout cas). Un matériau pourtant pas si facile que ça à usiner et qu’il ne faut surtout pas maltraiter car il est cassant comme le marbre.

Sur cette structure repose un système à trois voies. L’aigu est confié à une petite chambre de compression Fostex FT17 H. Le medium à un haut parleur de 30 cm de diamètre et le grave à un double push-pull de haut-parleurs de 46 cm. Ces haut-parleurs sont d’origine allemande (Monacor), ils bénéficient d’un robuste saladier en fonte d’aluminium, d’aimants très puissants et font l’objet de modifications que Bertrand Valère réalise lui-même individuellement sur chaque unité. Inutile de chercher sur cette enceinte un quelconque volume de charge ! Ces haut-parleurs à haut rendement sont tous débafflés.

On retrouve ici pour la section grave, non filtrée, une variation du principe Isobarik développé par Linn Products sur de légendaires modèles, et qui avait été également repris par P.-E. Léon. Le but, linéariser la réponse dans le grave et annuler certaines formes de distorsion en juxtaposant deux haut-parleurs dont les membranes se déplacent «en tandem». Le filtrage extrêmement simplifié du médium et de l’aigu permet néanmoins un réglage fin et indépendant des deux registres, pour une meilleure optimisation du résultat dans le local d’écoute. L’enceinte est prévue pour le bi-câblage.

Finalement, il suffisait d’y penser ! La Chose est un concept, dont les maîtres-mots semblent être ingéniosité et simplicité, que ce soit au niveau des formes ou des éléments utilisés - qui ne sont d’ailleurs pas par eux-mêmes des composants de très haut de gamme.

Ecoute

Olivier Robert nous présente, chez lui, ce nouveau modèle, et précise de suite que ce système peut être complété par un caisson de grave pouvant embarquer un haut-parleur de 30 ou 38 cm, et dont les finitions sont personnalisables. Ce passionné, qui préside aux destinées de RoboliDesign, fait son cheval de bataille de la mise en oeuvre et de l’intégration visuelle de systèmes (audio et vidéo) haut de gamme conçus sur mesure, en marge des circuits de distribution plus traditionnels (auditoriums et magasins plus ou moins spécialisés).

S’agissant d’une référence atypique comme La Chose, et du fait de son caractère d’objet de collection, Bertrand Valère et Olivier Robert se sont tout naturellement mis d’accord : il s’agit d’adapter le produit (et par extension le système complet) de manière optimale aux conditions d’écoute qui règnent chez l’acquéreur. Achetez une des rares paires de La Chose, et vous aurez le plaisir de voir l’un des deux hommes revenir à votre domicile une fois le rodage d’une centaine d’heures effectué, pour une longue session d’optimisation du produit par rapport à son environnement.

Mais revenons à notre objet et à cette affaire de caisson… Cela signifie-t-il que ces enceintes sont incapables de fonctionner telles quelles, en dépit du diamètre important de ses boomers ? Heureusement, la réponse est non ! Le constructeur affirme d’ailleurs que La Chose passe le 16,5 Hz à – 4dB en milieu semi-réverbérant.

Pour nous en assurer, nous avons alternativement mené des écoutes de la paire seule, puis de la paire complétée par la section extrême grave d’une paire de Grande Aventure du même constructeur, ajustée de manière mesurée en niveau, afin de simuler l’appoint qui sera apporté par le caisson dédié (indisponible le jour de notre visite). Nous n’étions donc pas tout à fait dans les conditions réelles d’utilisation, mais pas loin… Qui plus est, le volume très important de la pièce d’écoute (ouverte sur deux niveaux), et le positionnement des enceintes devant une baie vitrée panoramique constituaient des contraintes réelles pour une paire de Choses. Certes, ces enceintes ne sont pas microscopiques, mais ses dimensions restent acceptables (à peine plus d’un mètre de hauteur pour une profondeur de 57 cm).

Dans ces conditions, écoutées seules, dans le cadre d’un système de haut niveau sur lequel nous reviendrons, les Choses se distinguent immédiatement par leur grande finesse de timbre et leur pouvoir d’aération assez exceptionnel. Un de mes disques piège, le fameux «Impending Bloom» de Nancy King et Glenn Moore - avec sa «double contrebasse» en re-recording sur les voies droite et gauche - passe avec un sens du swing manifeste, et beaucoup de rapidité. Même en l’absence d’aide dans l’extrême grave, la contrebasse n’est pas dénaturée. L’attaque des pizzicati est bien sèche et la voix de Nancy King module sans aucune entrave. Évidemment on gagne nettement en ampleur en activant les 46 cm des Grandes Aventures, mais sans pour autant alourdir ou ralentir le message.

Retour à la paire seule, avec d’autres extraits musicaux très divers. Du simple quatuor à cordes pour commencer, également très juste en timbre et très modulé, à la grande symphonie (Schostakovitch) avec masses orchestrales percussives et cuivrées particulièrement réalistes… Mais aussi Michel Portal live à Minneapolis, «Mezzanine» de Massive Attack, qui révèle à la fois la complexité, et, dans certains registres, la relative platitude d’un mixage pop pas spécialement destiné aux audiophiles armés de systèmes colossaux…

Bref, un système d’une grande transparence, sans biais tonal notable, à la fois rapide (dans les attaques) et posé (sur les fins de notes et d’accords). Révèlant beaucoup de détails, les forces mais aussi les faiblesses des prises de son, mais sans aucune espèce d’agressivité, ce qui est aussi à mettre sur le compte des électroniques utilisées (voir précisions ci-dessous).

Quelques précisions sur le système d’écoute

Le système très bien mis en œuvre comprenait, en lecteur CD, la suite MSB Signature Platinum DAC IV et Data CD IV. Une source au dessus de tout soupçon, suivie directement par les minuscules blocs d’amplification monophoniques GoldAmp récemment développés sous l’égide d’Olivier Robert. Un des buts suivis lors de la conception de ces électroniques : Faire en sorte que les GoldAmp puissent être «intégrés» aux enceintes, dans des formules d’amplifications passive ou active, où l’on réduit au maximum la longueur des câbles h.p. Contrepartie de cette discrétion : ces petits modules qui développent une centaine de Watts de puissance utile rejettent leur alimentation dans des coffrets dédiés qu’il faudra bien prévoir de positionner quelque part... Autre objectif suivi : proposer une capacité en courant inconditionnelle assurant en toute circonstance le prolongement et l’enchaînement harmonieux des notes et des accords.

Effectivement, la restitution se caractérise par une forme de majesté, de caractère posé et de grand naturel. Il reste qu’une paire de Goldamp avec alimentations coûte tout de même 32000 € ! Attention, car à ce prix là, si la concurrence n’est pas forcément pléthorique, elle est assurément de très haut niveau. Pour l’instant, les concepteurs restent assez discrets sur les technologies et schémas employés. Nous aimerions bien en savoir plus ! Cela étant, Bertrand Valère assure que sa Chose, dont le rendement est élevé et l’impédance peu torturée (à l’instar des autres modèles de la gamme), fonctionne déjà très bien avec un bon ampli intégré…

Conclusion

Il faut bien sûr, dans l’appréciation du prix de La Chose, tenir compte du fait qu’il s’agit d’un véritable objet «design et collector» dont forme et matériau ont aussi été choisis en fonction de critères esthétiques très spécifiques. Cela se paye. Mais la performance musicale proposée par cette enceinte est avérée, en combinant adroitement grande transparence et précieuse musicalité. Bien sûr, l’approche suivie par le duo Bertrand Valère - Olivier Robert s’adresse avant tout à un public très aisé, pour lequel décoration intérieure et intégration visuelle des produits est une préoccupation majeure. Ce public est souvent à la recherche d’un grand son de qualité dans une formule clé en main, sans pour autant s’intéresser plus que cela à la technique ou au performances pures. Grâce à la collaboration entre Jmb acoustique et RoboliDesign, l’objectif est atteint.

Spécifications constructeur « La Chose »

Bande passante : 20 Hz – 30 kHz à – 3dB

Impédance : 8 Ohms

Rendement : 96 dB/1 W/1 m

Dimensions : 1011 x 400 x 570 mm

Poids : 50 kg